El síndrome del auto averiado

¿Cuáles son los alcances del amor? ¿Existe algún mandato social que pueda delimitar la reacción ante la pérdida de un ser querido? Estas son las preguntas con las que parece comenzar el director Marcos Carnevale su última película. Hay en Viudas un intento de reflexión sobre el duelo frente a la muerte.

La historia comienza con Elena, una realizadora audiovisual, que recibe un llamado anónimo: su marido fue internado tras sufrir un paro cardíaco. Ya en el hospital se encuentra con Adela, una treintañera que -aparentemente- solo viste un abrigo masculino. La verdad será revelada al poco tiempo, es la amante de su esposo

Antes de morir, el pedido de Augusto definirá la capacidad de entendimiento de su mujer: cuidar de aquella chica con la que mantenía una relación.

Con esta premisa se desprende lo más destacado de la película, el latente duelo (actoral) entre Graciela Borges y Valeria Bertucelli. Una y otra son capaces de remontar situaciones que, por absurdas, serían definitivamente inverosímiles en distintas circunstancias.

Habrá en el medio un intento de suicidio, una convivencia entre ambas, una asistente consejera (la siempre impecable Rita Cortese) y un travesti paraguayo (correcto debut en pantalla grande de Martín Bossi) como una ama de llaves semi-alcohólica que se jacta de conocer todos los secretos de la casa.

Con un promisorio comienzo, a medida que corren los minutos Viudas parece sufrir el síndrome del auto averiado. Es decir, cuando todo parece indicar que el film toma el rumbo adecuado éste detiene su marcha, imprudente, a la espera de un empujón. Tal vez pueda dar señales de arranque algunas veces más, pero desde entonces el estancamiento será constante.

Carnevale, responsable de Elsa y Fred y de la prejuiciosa Anita, quiere bucear en los sentimientos de esta dos mujeres que sobrellevan -sufren- la muerte del ser querido. Una con el mérito social del matrimonio como causa aprobadora para la tristeza; la otra con la condena del silencio como castigo por el adulterio en el que queda involucrada.

Sin embargo, como ya ha hecho en otros casos, el realizador desvía el punto de conflicto. Ninguna será capaz de juzgar a este hombre a pesar de las mentiras... todo lo que necesitan es amor.

Viudas es una película que, por sus ambiciones, defrauda. Aleccionadora y predecible, en circunstancias parece no hacerse cargo del tema que trata. En ése momento donde el fin de una vida debe dar comienzo a otra irremediablemente nueva, el mensaje demagógico del film le gana a las buenas interpretaciones, complementarias a un trabajo más prometedor que -continuando con la metáfora- se queda sin combustible desde la mitad del camino.

CALIFICACIÓN: 5
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TÍTULO ORIGINAL: Viudas

ACTORES: Valeria Bertuccelli, Graciela Borges. Martin Bossi, Rita Cortese.

GÉNERO: Drama.

DIRECCIÓN: Marcos Carnevale.

ORIGEN: Argentina.

DURACIÓN: 102 Minutos

CLASIFICACIÓN: Apta mayores de 13 años.

Víctima del cine agotador (Linterna Verde inicia)

El estreno de Linterna Verde vuelve a poner en primera plana a ese subgénero nacido en los últimos años llamado “cine de superhéroes”. Y con tanta cantidad de adaptaciones a la pantalla grande de hombres con poderes, grupos que buscan salvar a la tierra por enésima vez de una amenaza intergaláctica o de solitarios individuos en busca de justicia, el proyecto termina siendo víctima del agotamiento.

Es cierto que el guión del último filme dirigido por el respetable Martin Campbell (responsable de humanizar la figura de James Bond en Casino Royale, o de entregar un más que digno entretenimiento con La máscara del Zorro) hace agua en varias momentos.

También es real que la traslación de una de las figuras más importantes de la DC Cómics abre demasiados temas y no profundiza en ninguno. Sin embargo, lejos está de ser el aburrido título que se indicó en varios casos y coqueteó con el fracaso comercial en los Estados Unidos. Linterna Verde tiene el suficiente atractivo para, al menos, salir de pie en comparaciones.

Pareciera que el principal problema pasa por el momento de su estreno. Luego de (si no falla la memoria sobre este 2011) El avispón verde, X men: Primera Clase, Thor, Transformers, Soy el número cuatro y Capitán América, es necesario reflexionar acerca del desempeño de un nuevo exponente en las salas (tampoco sería inapropiado analizar la masiva llegada de estos superhombres, en el marco de un Hollywood post 11 de septiembre).

¿Es Linterna Verde una gran película? No. Pero supera con creces a paupérrimas adaptaciones como Daredevil, Elektra, Hulk, (sin dudas la más arriesgada), The Spirit, Gatúbela, Iron Man 2, Los cuatro fantásticos y cuánto ejemplo se les ocurra.

La historia cuenta cómo Abin Sur, un alienígena que forma parte del Cuerpo Intergaláctico de Linternas Verdes estrella su nave en la tierra. Moribundo, le ordena al anillo que elija a un sucesor. Allí entrará en acción Hal Jordan (el siempre efectivo Ryan Reynolds), un piloto de avión que aún no supera la muerte de su padre en una fallida prueba de vuelo.

Con el nuevo poder que le otorga “el arma más poderosa del universo”, Jordan deberá aprender todo sobre su nuevo rol y luchar ante dos fuerzas que amenazan con destruir la tierra.

Honestamente, las apariciones secundarias de Tim Robbins, Peter Sarsgaard y Mark Strong son una mera justificación en la película. No hay demasiado tiempo para contar el basto mundo creado y publicado desde hace 70 años en poco menos de dos horas. Pero la esencia está allí.

Valdrá la pena, entonces, esperar una secuela que ahora está en duda, para darle más desarrollo a varios de los personajes y situaciones que quedaron afuera (para conocer más en detalle, leer el cómic Linterna Verde: orígenes secretos).

En resumen, la primera adaptación al cine de uno de los personajes fundamentales del bastión DC no es lo que se esperaba; de eso no hay dudas.

Un guión por momentos ingenuo, un escasa profundización en las situaciones (a excepción de su padre, el resto de la familia de Jordan casi no aparece, su entrenamiento como héroe ocupa sólo algunos minutos, la vulnerabilidad ante el color amarillo), y efectos digitales que buscan predominar por sobre la historia son puntos a corregir.

Pero gracias al buen desempeño del elenco, más una historia que se sigue con cierta gracia, el tropezón no llega a ser caída. Una película que, de haber llegado en otro momento, hubiese tenido mejor suerte.

CALIFICACIÓN: 6
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TÍTULO ORIGINAL: Green lantern

ACTORES: Ryan Reynolds, Blake Lively. Angela Bassett, Tim Robbins, Peter Sarsgaard, Mark Strong.

GÉNERO: Comic, Acción.

DIRECCIÓN: Martín Campbell.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACIÓN: 114 Minutos

CLASIFICACIÓN: Apta mayores de 13 años

La verdad está en el rollo

J.J. Abrams, una de las mentes detrás de Lost y de la fresca y sorprendente nueva versión de Star Trek -entre otras- probó con Súper 8 cómo ideas viejas pueden seguir funcionando cuando hay pasión y talento.

En sociedad con Steven Spielberg (que aquí oficia como productor) se encargó primero de realizar una intensa campaña a través de Internet, donde la premisa era ocultar qué contaba la película. En realidad ese será un recurso que se mantendrá durante buena parte del film.

Lo que sí se puede adelantar es que un grupo de adolescentes (gran trabajo de todo el elenco) realiza una película de zombies durante las vacaciones de verano. En una de las escenas que incluye una estación, aprovechan el paso de un tren para filmar. Éste pronto va a descarrilar, provocando un importante accidente registrado por la cámara que titula a la cinta.

Con los adolescentes a salvo, develar qué transportaba la maquinaria y hacia dónde se dirigía será el principal tema a desarrollar. Y allí es donde Abrams da su principal mensaje.

Se sabe que los chicos deberán remitirse a lo grabado por la cámara para empezar a conocer las respuestas del asunto: “la verdad está en el rollo”; o lo que es lo mismo: “la verdad está en el cine”. Sea tal vez esta la mayor declaración de amor que un director pueda realizar hacia el séptimo arte.

En el medio, Súper 8 ofrece con ritmo frenético un relato que cuenta con no pocos homenajes, y que mama directamente de aquellas producciones de los ’70 u ’80 que rigieron buena parte del cine comercial de la época; con el propio Spielberg como principal exponente.

Abrams explota en su último film algunos de los recursos que hicieron tan destacables sus trabajos anteriores: utilizar herramientas que ya fueron vistas, pero con nuevos matices.

Tras descubrir los secretos detrás de Súper 8, vale la pena decir que es un trabajo serio, completo y muy entretenido. A partir de una premisa sencilla, los temas profundos que toca (el paso de la niñez a la adolescencia, la amistad, las relaciones familiares) hacen de éste un más que digno exponente de un cine actual que en algunas ocasiones, puede ofrecer todavía gratas sorpresas.

CALIFICACIÓN: 8
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TÍTULO ORIGINAL: Super 8

ACTORES: Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler. Ron Eldard, Noah Emmerich, Ryan Lee, Zach Mills, Amanda Michalka, Riley Griffiths.

GÉNERO: Ciencia Ficción.

DIRECCIÓN: J.J. Abrams .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACIÓN: 110 Minutos

CLASIFICACIÓN: Apta mayores de 13 años

Con el escudo levantado

Sería injusto decir que Capitán América es una mala película, porque de hecho no lo es. Divertida, con momentos inspirados, toques de humor, romance y -mucha- acción. Sin embargo, ya no es posible aplaudir una propuesta tan poco arriesgada como la que Marvel presenta antes del monumental arribo de “Los Vengadores”, la reunión que viene siendo anunciada desde hace años.

Y el film tiene en ese concepto de “preparar-el-camino” su principal obstáculo. La presentación del gran héroe, ícono de patriotismo y moral para el gran público, es una película que carece completamente de identidad propia.

Ambientada durante los años 40 y en el marco de la Segunda Guerra Mundial, el joven Steve Rogers, rechazado para enlistarse en el ejército en varias oportunidades, es elegido por un antiguo científico alemán (el gran Stanley Tucci) que trabaja para los aliados con el fin de probar un suero que aumentará sus capacidades y lo convertirá en un súper soldado.

Con el éxito del experimento, Rogers primero será utilizado como propaganda para acrecentar la moral del pueblo norteamericano y luego sí, se ganará un puesto en el campo de batalla.

La simpatía del director Joe Johnston (Jumanji, Rocketer, Querida encogí a los niños, Jurassic Park III) en parodiar el nacimiento del héroe (los cómics creados por Joe Simon y Jack Kirby buscaban levantar el ánimo de los hombres en combate) como una imagen publicitaria es destacable, pero no pasa del mero guiño.

Sí cabe mencionar el correcto mote de “Primer Vengador” al que remite el título. Porque el personaje interpretado por Chris Evans (que ya fue Antorcha Humana en Los cuatro fantásticos) primero será motivado por los propios ideales yankees, pero su pelea contra Calavera Roja (Hugo Weaving, el agente Smith de Matrix) se convertirá en algo personal tras una vuelta de tuerca que modificará algunas actitudes del enmascarado.

También hay un gran elenco secundario que realmente le aporta y mucho a la cinta: a los ya mencionados, se suman Tomy Lee Jones como un coronel del ejército y Hayley Atwell como el interés romántico del protagonista.

El último título de Marvel tenía la difícil tarea de no poder cometer una torpeza que influyese de forma negativa el paso siguiente, que llegará en 2012. Semejante presión le juega en contra: película de superhéroes que aborda todos y cada uno de los tópicos del género, no se permite ningún atrevimiento y termina siendo una propuesta sin alma. Un Capitán América que no puede evitar salir a la batalla (la de la taquilla) con el escudo levantado.

CALIFICACION: 6
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TITULO ORIGINAL: The first avenger Captain America

ACTORES: Chris Evans, Hugo Weaving . Hayley Atwell, Samuel L. Jackson, Hugo Weaving , Dominic Cooper, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci.

GENERO: Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Joe Johnston.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 124 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años.

El cierre de un ciclo

La saga que logró extender durante una década el interés de millones de jóvenes -y adultos- en todo el mundo finalmente llegó a su fin. Y en ese sentido, Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 2 es todo lo que el fanático espera.

La batalla final que sirve como epílogo de la séptima película encuentra en esta última entrega no una mera excusa para prolongar el éxito de la franquicia, sino por el contrario darle el tono necesario a una historia que evidenció signos de madurez desde sus inicios.

Las películas de Harry Potter han mostrado un crecimiento y un desarrollo, simbolizados en el notable cambio físico de sus protagonistas (bien podría decirse lo mismo de su público). Lejos de tratarse de una película de aventuras, fantasías y deportes para chicos, esta último film pone por encima uno de los mayores inconvenientes de la adolescencia: el enfrentarse a los miedos.

Aquel joven mago que debía cargar con un peso que nadie se hubiese atrevido a soportar, será capaz no solo de hacerle frente a aquel “que no debe nombrarse”, sino de humanizarlo, de considerarlo un igual. Ambos son parte de un todo, el bien y el mal, el ying y el yang, que aquí encontrará conclusión definitiva.

Por momentos lo suficientemente grande, por otros sobrecargada de información (pareciera que el director David Yates no pretende dejar nada librado al azar) la película supera el ambiente opresivo de la primera última parte y no escatima en efectos a la hora de presentar la batalla final que tendrá lugar en Hogwarts.

Parte de ello es la obscura fotografía del portugués Eduardo Serra que carga de  angustia a los tiempos que debe enfrentar el trío protagonista y todos los que alguna vez pasaron por la escuela de magia.

Sin dudas, Harry Potter y las reliquias… le hace honor a una saga que debe ser tomada como ejemplo a la hora de adaptar libros para un público más joven. De entre la enorme cantidad de casos que aparecieron en los últimos tiempos, el mundo creado por J.K Rowling ha logrado una calidad con la que otras franquicias solamente sueñan.

¿La clave? El respeto. A pesar de la fantasía, la posibilidad de identificación con los conflictos y las experiencias de la adolescencia trascendieron la pantalla, pero también el sentido comercial que al fin y al cabo tiene la obra en su totalidad.

Aún cuando para muchos, entre los que debo admitir no me encuentro, este final será un emocionante viaje de nostalgias y recuerdos, la última entrega del joven mago es -sin ser una obra maestra- el cierre de un ciclo, el de la vida de un personaje que tiene destino de clásico, al menos para una generación que creció afianzada a sus miramientos y enseñanzas.

CALIFICACION: 8
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TITULO ORIGINAL: Harry Potter and the Deathly Hallows

ACTORES: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes. Matthew Lewis, Tom Felton, Helena Bonham Carter.

GENERO: Suspenso, Fantasía, Aventuras.

DIRECCION: David Yates.

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DURACION: 130 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Una vuelta de tuerca al cine de Pixar

Aún cuando pueda ser cierto que Cars 2 no está a la altura de las obras más importantes de Pixar, también es justo decir que se encuentra bastante por encima de cualquier estreno que suele llegar a las salas comerciales.

Es que cuando John Lasseter aparece en la dirección (acompañado aquí por Brad Lewis) se sabe que las cosas irán por buen rumbo. Co-fundador de la empresa que hoy cumple 25 años y marcó un antes y un después en el cine de animación, Lasseter demuestra aquí su amor por el séptimo arte.

Y es que ni siquiera la primera parte, estrenada en 2006, era una de las grandes películas de la firma. Sin embargo, esta secuela se transforma gradualmente en una divertida aventura que reflexiona sobre la amistad, la identidad y los prejuicios sociales, mientras se homenajea a las historias de espías que hicieron las delicias de los jóvenes décadas atrás

En Cars 2, Rayo Mc Queen es invitado a un Grand Pix que incluirá etapas en distintas ciudades del mundo y que servirá como excusa para presentar un nuevo tipo de combustible. Listos para participar, Mate se verá involucrado durante la carrera en una misión secreta que busca evitar el ataque de un grupo mafioso obstinado en arruinar la competición.

La maestría de Lasseter para introducir elementos de espionaje en el mundo Cars, logran un efectivo resultado: los autos devenidos en agentes, los trucos utilizados se ven realmente bien en pantalla y se resuelven con una inusual naturalidad.

Sin embargo, esta vez, se perciben algunos problemas: si el sujeto que interviene en una misión ultra secreta es un latiguillo que ya ha sido usado demasiadas veces, el inconveniente toma nuevas dimensiones al darle demasiado protagonismo a Mate, que está muy lejos de ser un personaje lo suficientemente atractivo para llevar adelante la película.

De todas maneras, las cosas funcionan gracias a la cantidad de subtramas, los nuevos personajes y los novedosos elementos utilizados. Esta segunda parte presenta todo un mundo preparado al estilo Cars: ya no sólo autos sino aviones, barcos y todo tipo de vehículos.

Aunque lo nuevo de Pixar dista mucho de títulos inolvidables como Ratatouille, la saga Toy Story o Wall-E, todavía demuestra porqué la firma es una de las más importantes del cine en general: lograron darle una vuelta de tuerca (para no evitar el chiste fácil) a una historia harto conocida, sin que disguste. Lejos de ser una joya animada, la película entretiene y mucho. Por esta vez, dejaremos que eso sea suficiente.

Párrafo aparte para Vacaciones en Hawai, el corto basado en los personajes de Toy Story que se exhibe antes: una delicia para los fanáticos de los personajes y una inmejorable oportunidad de volver a verlos en pantalla grande.

CALIFICACIÓN: 7
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TITULO ORIGINAL: Cars 2

GENERO: Animación.

DIRECCION: John Lasseter, Brad Lewis.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 105 Minutos

CLASIFICACION: Apta para todo público.

El jinete pálido

Allá por 1996 Walter Hill hizo una película con Bruce Willis que aquí se tituló Entre dos fuegos. El film, versión libre de Yojimbo (clásico de Akira Kurosawa), básicamente era un western protagonizado por gángsteres de la década del ’30.

Algo similar ocurre con Aballay, el hombre sin miedo. El director Fernando Spiner recrea el cine de género que hizo grandes a Sergio Leone o Sam Peckinpah, pero con los códigos, el contexto y el idioma del gaucho argentino.

Basado en el cuento homónimo de Antonio Di Benedetto, Aballay (buen trabajo de Pablo Cedrón) es el líder de un grupo de ladrones que luego de detener y robar una carreta, ultimará a su víctima con un cuchillo. Allí, donde la muerte se funda con la risa malévola, siniestra; el bandido dará con el pequeño hijo de aquel hombre.

La inocencia manifiesta en los ojos del niño servirá como factor determinante para que Aballay decida redimir sus culpas bajo el dogma de los elitistas, quienes subidos a columnas buscaron acercarse a Dios y alejarse de la Tierra en la que pecaron. Resuelto a pagar sus actos, el ahora arrepentido gaucho vivirá el resto de sus días montado en su caballo.

Diez años servirán de elipsis para que aquel joven ahora convertido en hombre (Nazareno Casero) vuelva en busca de venganza. En el medio, una historia de amor, la explotación machista de los forajidos en un pequeño poblado y una leyenda. Porque la decisión del penitente asesino pasará a ser parte de la fe que mantenga con esperanzas a los más débiles. Cual figura de centauro, “El Pobre”, se ha convertido en un mito.

Filmada en los bellos parajes de Tucumán, la película logra una innegable intensidad, fundamentada principalmente en los sobresalientes rubros técnicos. Fiel al género que representa, el último trabajo del director de Adiós querida luna cuenta con todos los tópicos que hacen creíble a la historia, pero con los códigos de un cine nacional que no es habitual ver en el circuito comercial.

Pese a algunas actuaciones desparejas, Aballay, el hombre sin miedo se presenta como un título que (muy) probablemente no obtenga apoyo masivo. Pero gracias a su solvencia formal, a su correcto ritmo y a una indudable profesionalidad, representa una intensa bocanada de aire fresco en una cartelera que ofrece cada vez menos variedad, simbolizando paralelamente una auténtica declaración de amor por el cine. ¿Acaso hace falta más?

CALIFICACIÓN: 8
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TITULO ORIGINAL: Aballay

ACTORES: Pablo Cedrón, Claudio Rissi, Nazareno Casero. Fernando Spiner, Gabriel Goity.

GENERO: Western, Drama.

DIRECCION: Fernando Spiner.

ORIGEN: Argentina.

DURACION: 100 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años.

El hombre contra el sistema

Si la premisa de La doble vida de Walter recuerda inicialmente al famoso Sr. Garrison de South Park (aquel profesor de primaria que convive con un títere en la mano) pues, las comparaciones no son del todo odiosas.

Principalmente porque el Walter que le da nombre al film en nuestro país, es un personaje que ha caído en la más absoluta depresión, con problemas psicológicos, sumiso en un inerte estado: es una víctima (¿Social? ¿De su entorno?). No importan su familia (“He vivido los últimos dos años por ti” le dirá su esposa), no importa la empresa que ha heredado de su padre y ni siquiera importa su propia vida.

Bajo esta premisa, el tercer largometraje de Jodie Foster como directora se meterá con temas delicados de una forma cuanto menos curiosa: Walter encontrará en un títere castor, la valentía para llevar su problema adelante. Primero como un ejercicio de autosuperación y luego como una forma de ocultarse, esconderse bajo una figura que con el correr de los minutos ganará lugar a fuerza de resultados.

Lo más importante: para que semejante historia resultara por lo menos creíble, el desafío principal era para Mel Gibson. Con cuestionables antecedentes personales (conductas sociales y realizaciones cinematográficas incluidas) el actor de Arma Mortal logra una composición sobresaliente de un hombre acosado por su propia psiquis.

De todas maneras, la mano de la Foster directora (también actúa como la mujer del protagonista) ayuda a la gran labor de Gibson evitando caer en el ridículo en los momentos necesarios. Para aclarar: en la mayoría de los casos, los planos mostrarán a Walter y a su muñeco por igual, generando el mismo punto de vista que los personajes que con él/ellos interactúan, y por lo tanto –se supone- las mismas sensaciones.

Claro, todo cambiará cuando los medios se hagan eco de un éxito producido por la sociedad hombre/castor y revele primero a ambos, pero reduzca luego su mirada hacia un muñeco parlante con Gibson como sujeto tácito. Aparecerán además las conexiones con los dos hijos que complementan la familia y una historia de amor adolescente que por momentos se gana la mayor parte del relato.

Si La doble vida de Walter logra evitar los excesos en la forma de tratar los trastornos psicológicos y un tema tan delicado como la depresión, no resulta lo mismo con ciertos momentos del film, que rozan el tono moralista, aún cuando logra salirse rápidamente de ese lugar.

A pesar de sus debilidades, este film (un tanto extraño, un tanto atractivo), termina por ganar crédito a fuerza de buenos personajes y, principalmente, correctas actuaciones.

Con los prejuicios individuales y los lazos familiares como principales temas, Foster compone una comedia negra con tanto drama en su interior, que termina por ser una radiografía del hombre alienado: aquel que cada día debe enfrentar a un sistema que, como en los peores momentos de la historia humana, primero juzga y después pregunta.

CALIFICACION: 7
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TITULO ORIGINAL: The Beaver

ACTORES: Mel Gibson, Jodie Foster. Jennifer Lawrence, Anton Yelchin.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Jodie Foster.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 90 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años con reservas.

No aprietes el botón rojo

Hanna se perfilaba como una de esas cintas de acción que logran aunar en un mismo proyecto audacia, diversión, ritmo y calidad. Curiosamente, la película contiene todos esos elementos, aunque por una extraña razón no termina de ser el producto que en un principio prometía.

Veamos las razones: el director británico Joe Wright, conocido por los dramas de época Orgullo y prejuicio y Expiación, deseo y pecado se plantó frente al desafío de realizar un thriller de acción que nada tenga que ver con su filmografía anterior. El resultado es un trabajo lleno de matices, de buenos momentos, pero también de profundos huecos que terminan por perjudicar la experiencia.

La Hanna que da nombre al film es una adolescente de 16 años (brillante interpretación de Saoirse Ronan) que vive en un bosque de hielo de dudosa procedencia. Completamente aislada del mundo, es entrenada por su padre (Eric Bana) un ex agente de la CIA que tiene sus propios planes para la muchacha. Con la certeza de estar lista para afrontar el mundo moderno, la niña devenida en mujer enviará un mensaje disfrazado de botón rojo para revelar su paradero. Y ahí comenzará otra historia.

Separados uno de otro, empezaremos a conocer el pasado de ese padre y esa hija antes ocultos, ahora buscados por una agente especial (otra gran composición de Cate Blanchett) que será de suma relevancia para el resto de la trama.

Película de venganza y muerte, de detalle y sorpresa, Hanna se presenta como un oscuro cuento de hadas moderno (incluidas a su manera, la princesa y la bruja) que muestra signos de agotamiento antes de tiempo. Porque si ese auspicioso inicio daba cuenta de una historia con demasiadas aristas, a partir de la segunda mitad del metraje las cosas toman otro color.

Allí donde la protagonista comenzará un viaje de (auto)descubrimiento se incluirá a una familia tipo Siglo XXI con padres supuestamente cool, una amiga también adolescente, un intento de amorío y hasta el encuentro con la electricidad y la música.

Mientras, desde el ojo espectador, los hechos parecen correr en cámara lenta. No hay demasiadas escenas de acción, o algún otro elemento que justifique las lagunas a veces evidentemente expuestas entre una escena y otra.

A cambio, Wright ofrece algunos de los momentos más soberbios que se puedan ver en el cine comercial: dos planos secuencia de casi tres minutos cada uno (escenas del subte y el muelle) que impactan por su magistral coreografía, y una banda sonora cortesía de los Chemical Brothers que termina por darle ese toque tecno-new-wave que tanto bien le hace.

Con reminiscencias a títulos como la saga de Bourne, Nikita, Agente Salt y hasta Kill Bill, Hanna no muestra mucho más que algunos momentos inspirados, a pesar de las astutas herramientas utilizadas por su director. Sin pretensiones de revolucionar el género, tampoco tiene destino de olvido inmediato. Y eso también debe tener algún mérito.

CALIFICACIÓN: 6
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TITULO ORIGINAL: Hanna

ACTORES: Saoirse Ronan, Cate Blanchett, Eric Bana. Jason Flemyng.

GENERO: Suspenso, Acción.

DIRECCION: Joe Wright.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 111 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años.

La idea como motor (El zorro y el sabueso de Marvel)

En el marco de un cine industrial que está empecinado en remitirse a los orígenes de las historias que rindieron en la pantalla grande, vale la pena remarcar el buen desempeño de X men: primera generación como precuela.

La película de Matthew Vaughn (responsable de la inconcebiblemente violenta Kick Ass) se sumerge en los inicios de la amistad entre Charles Xavier, destinado a ser el mentor de los héroes mutantes y Erik Lensher, el futuro Magneto, su principal Némesis. Ellos, capaces de ser compañeros a pesar de las diferencias siempre latentes, serán como el zorro y el sabueso: enemigos por antonomasia.

Si bien el cine ha sido utilizado varias veces para reinterpretar los hechos, la ambientación durante los años ‘60 en plena crisis entre Estados Unidos y la Unión Soviética no es mero abuso de las situaciones, sino un pretexto para desarrollar una trama que también remite al propio mundo de las viñetas.

Así como el cómic Spiderman 11 de septiembre mostraba a superhéroes y villanos colaborando luego del atentado contra las Torres Gemelas mientras El Hombre Araña reflexionaba sobre las consecuencias del ataque de una forma mucho más madura de lo esperable para este tipo de propuestas, el film pone en evidencia cómo los primeros X men fueron los responsables de evitar el conflicto bélico entre las dos potencias.

Puede sonar bastante propagandístico pero lo cierto es que por sobre todas las cosas, la película respeta. A los bandos incluidos, y al espectador. Porque el film se presenta como un entretenimiento, y vaya si lo es, pero sin abusar del contexto sociohistórico que toca (y que, casualidad o no, fue el mismo en el que surgió originalmente el cómic).

Con un elenco que cumple con creces su labor (se destacan Kevin Bacon y Michael Fassbender) el proyecto mostraba todo un desafío para James McAvoy (Expiación, deseo y pecado, Se busca, El último rey de Escocia). Con los suficientes antecedentes, el actor tuvo el reto de ponerle cuerpo a un personaje que históricamente presentó rasgos fisicos distintos. De todas formas, y a pesar de no ser calvo ni estar en silla de ruedas, McAvoy es Charles Xavier… todo un logro.

La inclusión de Bryan Singer (director de las dos primeras partes de la trilogía original) como productor es otro de los puntos fuertes. Inmerso en el mundo creado por Stan Lee y Jack Kirby en 1963 desde hace años, el cineasta conoce y domina a los personajes, cuestión que se nota desde la butaca.

El error geográfico de confundir a Villa Gesell con Villa General Belgrano en el momento de la película que transcurre en la Argentina, se convierte a estas alturas (y luego de lo mucho que se ha dicho al respecto) en una mera anécdota, más que en un pasaje condenable.

Al igual que las frases usadas por el joven Xavier a la hora de conquistar chicas, esta quinta adaptación de los Hombres X es parte de esos latiguillos que tiene el cine masivo para atraer la mayor cantidad de público a las salas. Sin embargo, y continuando con la metáfora, ésta es una de las tantas oportunidades en que la repetición de ideas termina por divertirnos, dejarnos una placentera sensación y finalmente, convertirse en una considerable propuesta.

Calificación: 8
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TITULO ORIGINAL: X-Men: First Class

ACTORES: James McAvoy, Kevin Bacon, Michael Fassbender. James Remar, Lucas Till, Edi Gathegi, January Jones, Oliver Platt, Rose Byrne, Jennifer Lawrence.

GENERO: Comic, Acción.

DIRECCION: Matthew Vaughn.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 130 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años.

Somos los piratas

Nunca fui un amante de la saga Piratas del Caribe. De hecho, siempre me costó bastante recordar las tramas de cada una de sus partes por separado. De todas maneras, es meritorio reconocer que la franquicia construida por Disney y Jerry Bruckheimer puede sostenerse como un buen entretenimiento familiar.

Vale aquí la comparación –entonces- con la saga que despertó la imaginación y el entusiasmo de mi generación: Indiana Jones. Pero claro, ni Gore Verbinsky (responsable de las tres primeras partes, que no aceptó este nuevo capítulo para realizar la animada Fargo) ni Rob Marshall tienen la capacidad narrativa para títulos masivos de Steven Spielberg.

De todas maneras, no será equivocado admitir que buena parte de aquello que hizo popular a estos piratas versión siglo XXI sigue presente: con menos entusiasmo, con menos inteligencia, pero con la misma intensión.

Luego de un rápido escape de la corona británica, el Capitán Jack Sparrow se reencontrará con un viejo amor (Penélope Cruz, la principal pero poco convincente novedad en el reparto) que lo convencerá para ir en busca de la fuente de la juventud. Por supuesto, no serán los únicos con intenciones de obtener la vida eterna.

Las intervenciones de Geoffrey Rush e Ian McShane como los villanos de turno ayudan a la trama. Y a pesar del cambio de dirección, todo está servido para que Johnny Deep reviente en la taquilla con uno de sus personajes más celebrados de los últimos años. Alguna vez Deep dijo que interpretaría al Capitán Sparrow las veces que le sea posible. Pero ni siquiera él resulta tan gracioso.

Sin el evidente factor sorpresa que quita una cuarta parte, Piratas del Caribe: Navegando en aguas misteriosas es un film parejo, profesional, pero sin ningún atrevimiento o libertad creativa. Es cierto que el talento de Marshall (responsable de musicales como Nine o Chicago) para “coreografiar” las escenas de acción hacen de este un producto más eficaz, aunque muestre falencias en otros momentos.

Con una interesante mirada sobre la colonización europea, que lejos busca ser autorreflexiva sobre la ocupación norteamericana en Medio Oriente, el film ofrece una última hora mucho más atractiva en su conjunto.

De todas maneras, la cuarta parte de Piratas del Caribe propone lo que de ella se espera, sin ningún agregado adicional. Diversión, aventuras y acción, para una saga que (muy a pesar de lo que diga la escena que llega después de los créditos) empieza a mostrar signos de agotamiento, aún con el éxito comercial asegurado.

CALIFICACION: 6
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TITULO ORIGINAL: Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides

ACTORES: Johnny Depp, Penélope Cruz. Judi Dench, Richard Griffiths, Gemma Ward, Ian McShane, Geoffrey Rush.

GENERO: Aventuras, Acción.

DIRECCION: Rob Marshall.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 135 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Elige tu propia aventura

Luego del éxito que significó El hombre de al lado para la dupla conformada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, su vuelta a la pantalla grande tomaba nuevas dimensiones. Consagrados a nivel masivo (todavía no popular), el ambicioso proyecto que significaba Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo generaba una curiosa expectativa.

Sin embargo, de aquella premisa original de un hombre (rutinario, aburrido: un antihéroe) que recibe la oferta de volver a vivir los diez años de su vida que escoja a cambio de un millón de dólares por un misterioso español (Eusebio Poncela) cuyos poderes se deben a una inmortalidad provocada por la caída de no uno, sino dos rayos en su cuerpo, poco se aprecia en la pantalla.

La idea, lejos de ser original, invita a la reflexión a partir de las decisiones -siempre discutibles- de Ernesto (un impecable Emilio Disi), quien bajo la excusa de buscar cigarros a la vuelta de la esquina, emprenderá un viaje de una década que significarán cinco minutos en su vida real.

Lo más interesante sin duda, se desprende de la lectura socio política que la dupla Cohn-Duprat hace de la historia reciente no sólo de nuestro país, sino también del mundo. Así, primero buscará el perdón de su madre muerta, intentará dar aviso a las autoridades del atentado a las Torres Gemelas, plagiará Imagine de John Lennon (como un joven de los ’70 que encarna Darío Lopilato) y otros menesteres que aquí no vale la pena develar.

Con la premisa planteada, el relato adquiere un tono sombrío, obscuro, casi opresivo, del cual le resulta demasiado difícil salir, aún cuando se trata de una comedia negra. El aporte principal para semejante contradicción se congenia sin dudas con la aparición de Alberto Laiseca, narrador omnisciente de toda la historia, uno de los guionistas del film y autor del cuento inédito en el que está basado la película.

Responsables del ya clásico experimento para la pantalla chica que fue “Televisión abierta” los realizadores mantienen esa relectura de lo real que fue motor de El artista (2008) primero, y El hombre de al lado (2010) después, para entregar un trabajo crítico y audaz, pero maniqueo y opaco a la vez.

Las miserias del hombre, las imposiciones de un destino que ya está escrito y la fantasía de un futuro (o pasado) mejor, conforman la cara más atractiva de Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo, un relato mágico que con más intenciones que resultados, transcurre sin demasiada relevancia, tal y como sucede con la vida de su propio protagonista.

CALIFICACION: 5
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TITULO ORIGINAL: Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo

ACTORES: Emilio Dissi, Eusebio Poncela, Darío Lopilato.

GENERO: Comedia, drama.

DIRECCION: Gastón Duprat, Mariano Cohn.

ORIGEN: Argentina.

DURACION: 80 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Martillazos y toque de autor

Si bien lo que se espera de un “tanque” como Thor es un gran despliegue visual y una historia que por lo menos sea acorde a los más de 40 años que lleva el personaje siendo editado, hay que decir que el nuevo filme de Kenneth Branagh es bastante más que eso.

Con un declarado fanático del héroe de Marvel como realizador, la principal fortaleza del filme radica en su cada vez más novedosa forma de vincular los diversos mundos que conforman los superhombres de Marvel (y que se unirán en la ya esperada versión de “Los Vengadores” que hace unos días comenzó a filmar Joss Whedon) con los conflictos principales de cada personaje.

Porque mucho se ha dicho sobre lo shakesperiano que puede significar la relación familiar entre el “Padre de todo” Odín (Anthony Hopkins) y sus dos hijos: el heredero al trono, Thor (Chris Hemsworth, toda una revelación) y Loki (Tom Hiddleston), ambicioso por tomar el lugar de su hermano.

Luego de desobedecer a su padre, Thor será desterrado de Asgard y enviado a la Tierra, donde conocerá a un grupo de científicos entre los que se encuentra Jane Foster (Natalie Portman) que intentará ayudarlo a regresar a su tierra natal.

Si bien la cinta intenta mezclar tonos cómicos con dramáticos, los momentos más logrados se encuentran en esa constante familiar que sirve como motor para el héroe. Precisamente en esos instantes es donde se ve la mano eficaz y la experiencia de Branagh, que ya adaptó obras clásicas como Enrique V, Hamlet y La Flauta mágica.

Allí donde Michel Gondry fracasó con su versión de El avispón verde, el director irlandés logró imponer su identidad en un género que se jacta de no necesitarlo.

Aún cuando la reunión de Los Vengadores viene siendo mencionada desde la primera película de Iron Man, tal vez sea Thor quien verdaderamente muestre esa amalgama de mundos, tan característico del universo Marvel (consultar entre otros, los cómics Civil War o House of M).

Sea tal vez por vez primera que, a diferencia de lo planteado en otras adaptaciones, haya aquí una similitud entre las películas estrenadas y venideras (con su supuesto gran climax a mediados de 2012) para lograr la mayor concordancia posible con las obras originales. ¿Fidelidad o estrategia comercial? Esa es otra discusión.

Con la presentación de personajes como fin principal, Thor es una cinta que no defrauda. Branagh demuestra su capacidad como realizador mientras ofrece una visión del dios nórdico que resulta sorprendentemente personal, teniendo en cuenta las presiones que suelen ejercer los productores en un proyecto de semejante envergadura.

Si bien existen puntos negativos (la relación entre la pareja protagonista no está demasiado trabajada), este título logra primero mostrar que tomando las cosas en serio, Hollywood puede ofrecer cine de calidad. Segundo, el poder sacar por fin a la luz a uno de los personajes más atractivos de la factoría creada por Stan Lee, destinado al olvido durante demasiado tiempo.

CALIFICACION: 7
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TITULO ORIGINAL: Thor

ACTORES: Chris Hemsworth, Natalie Portman. Anthony Hopkins, Renee Russo, Clark Gregg, Stellan Skarsgård.

GENERO: Drama, Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Kenneth Branagh.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 113 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años.

Algo habrán hecho

No llama la atención que en un momento revisionista como pretende ser este Bicentenario argentino, llegue a las salas una nueva película que narre la cruzada liderada por el general San Martín a través de la Cordillera de Los Andes, cuyo fin encuentra en la sangrienta Batalla de Chacabuco de 1817.

Revolución - El cruce de Los Andes bien podría ser considerada el cierre de la “trilogía” que conforman Che, un hombre solo de Tristán Bauer y Belgrano, de Juan José Campanella, en donde el punto de vista no pasa por la idealización de la figura de prócer, sino al contrario, por la humanización de hombres “marcados por la historia” tal y como dirá el propio San Martín, encarnado por un correcto Rodrigo de la Serna en el film.

Dirigida por el debutante Leandro Ipiña, la película cuenta con un importante apoyo de la Televisión Pública y el gobierno oficial. En este sentido, sorprende que la figura sanmartiniana inserta en el seno popular nacional (recordar El gen argentino, programa televisivo que definía al prócer como modelo social) se deje de lado, para resaltar los problemas y las dudas que cargaba.

A no confundirse; la estampa de héroe sigue pululando por buena parte de la película, pero también existe una desestructuración de su imagen intocable. San Martín gritará, sufrirá, insultará y hasta vacilará respecto a su propia capacidad bélica. A cambio, se lo mostrará como un gran estratega y un valiente hombre entregado al cuerpo de infantería a su cargo.

A diferencia de El santo de la espada (tal vez la única mancha en la gran carrera del enorme director argentino Leopoldo Torre Nilson), la figura de Remedios de Escalada estará prácticamente ausente, por lo que la historia pondrá énfasis en la relación que el general tenga con Manuel de Corvalán, un joven de 16 años devenido en su secretario personal.

Si bien Revolución… cuenta con algunos altibajos en su historia (pasajes ampulosos, diálogos poco convincentes y actuaciones desparejas) el acabado técnico de la película termina ofreciendo un más que digno trabajo.

Filmada mayoritariamente en San Juan, la fotografía de Javier Juliá y la dirección de arte de Sergio Rud fortalecen con creces los puntos más débiles de su guión, incluyendo las escenas de combate que se desarrollan con una sorprendente agudeza narrativa.

Vale la pena aclararlo. Si bien Revolución… no será una película fundamental en la filmografía nacional, sí permitirá una mirada menos convencional del prócer. Si sumamos también que puede ser potencialmente una excusa para que las generaciones más jóvenes busquen una relectura sobre la historia de nuestro país, entonces ya estamos hablando de un film cuyo contenido es bastante más valioso. Eso también es algo a su favor.

CALIFICACION: 7
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TITULO ORIGINAL: Revolución, el cruce de los Andes

ACTORES: Rodrigo de la Serna, Alfredo Castellani, Juan Ciancio.

GENERO: Histórica.

DIRECCION: Leandro Ipiña.

ORIGEN: Argentina.

DURACION: 95

El peor Nicolás Cage y una película igual a varias

Antes de hablar del film, parece pertinente referirse al vaivén que significa la carrera de Nicolás Cage, uno de los actores más contradictorios que ha tenido Hollywood en mucho tiempo. Porque hay que decirlo, cuando trabaja con buenos directores, realmente presenta personajes logrados; sin embargo otras tantas veces, su rostro es incapaz de transmitir sensación alguna.

Cage estuvo en proyectos muy interesantes: Educando a Arizona (de Joel y Ethan Coen), Corazón salvaje (de David Lynch), Adiós a las Vegas (de Mike Figgis) y más cerca en el tiempo, El señor de la guerra (de Yuri Orlov) y Un maldito policía en Nueva York (de Werner Herzog).

Pero su CV también muestra más de una mancha: El motorista fantasma, El culto siniestro, El vidente, La mandolina del capitán Corelli y Cuenta regresiva, entre otras.

Cacería de brujas, bien podría sumarse a esa lista negra. El largometraje dirigido por Dominic Sena (el mismo de 60 segundos, también protagonizado por Cage) parece ser una película que resulta de la fusión entre varios pasajes ya vistos.

Porque si a la historia de los desertores de las cruzadas que se cansaron de pelear en nombre de Dios durante el apogeo del cristianismo en pleno Siglo XIV, los héroes (Cage y el gran Ron Pearlman) se ven obligados a trasladar a una joven acusada de ser una bruja, y la causante de la peste negra en buena parte de Europa. Así saldrán junto a una serie de ayudantes que intentarán llegar a destino, sanos y salvos.

La mayor atracción del film pasa por el rol que juega la adolescente inculpada de hechicera (una muy convincente Claire Foy, sin dudas lo mejor del reparto) y las pistas que de a poco devela la trama.

Sin embargo, mientras se desarrolla la historia, el espectador intenta adivinar qué misterios esconde la prisionera, mediante situaciones que fueron explotadas tantas veces, que terminan por fustigar el interés que puede proponer inicialmente.

Así, el ya típico viaje de un punto a otro se verá truncado no sólo por varios obstáculos, sino también por pretendidas sorpresas que se reparten entre aventura, magia, suspenso y terror.

Hay que decirlo; la película ni siquiera es entretenida, y sobre todo en el final, ofrece un despliegue visual poco convincente. Con claras intenciones de demostrar la ingenuidad humana sobre la religión y las creencias divinas, el guión del ignoto Bragi Schut parece por momentos ridículo.

A poco más de dos años de anunciar que Nicolas Cage pasa por un difícil momento económico (presentó la bancarrota y tuvo que vender varias de sus mansiones), no suena ilógico encontrarlo tan seguido en la cartelera -en menos de ocho meses protagonizó El aprendiz de burjo, Furia al volante 3D y el film que nos compete-.

En resumen, la falta de interés en la historia, la poca credibilidad de sus escenas y una escasez de inteligencia para resolver su monocromático guión, hacen de Cacería de brujas un film que, de no ser por la propia aparición de Cage, hubiese tenido destino directo a DVD.

CALIFICACION: 4
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TITULO ORIGINAL: Season of the witch

ACTORES: Nicolas Cage. Christopher Lee, Claire Foy, Ron Perlman.

GENERO: Acción, Aventura.

DIRECCION: Dominic Sena .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 90 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Balas por cabezas

Esa parece ser la premisa principal de Invasión del mundo. Batalla - Los Ángeles. Ofrecer un relato plagado de disparos, secuencias grandilocuentes y puro efecto generado por computadora, a cambio de dar una inmensa publicidad sobre la importancia de formar parte del ejército norteamericano.

Vale decirlo, la película cuenta con secuencias realmente logradas y un impecable trabajo técnico a cargo del equipo que encabeza el director sudafricano Jonathan Liebesman (responsable de La masacre de Texas: El inicio). Aunque eso es lo único que ofrece.

La historia muestra al sargento Michael Nantz (Aaron Eckhart) como un marine dispuesto a retirarse tras 20 años de servicio, que incluyen un trágico hecho del cual fue el único sobreviviente y, para algunos, responsable. Poco después de recibir la notificación de su baja, una serie de naves comienzan a aterrizar en distintos puntos del planeta con intención de conquistarlo. Allí es donde Nantz deberá realizar una última misión, que también sirva para redimirlo de las culpas que carga.

Entre la enorme cantidad de títulos sobre el advenimiento alienígena que existen, Invasión del mundo. Batalla - Los Ángeles realmente brinda poco. De hecho, su estructura narrativa, un montaje híper estimulante (por momentos confuso) y el manejo de la cámara, recuerda más a cintas bélicas que a otros títulos de ciencia ficción pura.

Para colmo de males, el guión de Christopher Bertolini no deja de lado ningún estereotipo: el sargento con un pasado cargado de culpas, los soldados que dejan a sus mujeres embarazadas por luchar contra la amenaza en cuestión, el inmigrante que pierde la vida tras un acto heroico, y hasta un personaje que se inmola para salvar al resto.

Con una primera parte mucho más interesante por su formalidad técnica, Invasión del mundo. Batalla - Los Ángeles tomará caminos de supuesto drama, como una ridícula bandera del moralismo con mensaje subliminal –o no tanto- de los poderes sociales más importantes de Estados Unidos.

Queda dicho. Si en décadas atrás las constantes intimidaciones europeas servían al Tío Sam para promover un mensaje pro-belicoso, hoy los malos vienen de otro planeta. Sin pensar demasiado en el entretenimiento banal que puede resultar la película, sí resulta más fácil asimilar la idea del “join the army” para honrar a la patria. En fin, la oportunidad de mostrar un par de balas para sumar algunas cabezas.

CALIFICACION: 5
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TITULO ORIGINAL: Battle: Los Angeles

ACTORES: Aaron Eckhart, Michelle Rodriguez, Lucas Till.

GENERO: Ciencia Ficción.

DIRECCION: Jonathan Liebesman.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 116 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años.

Algunos golpes te da la vida

En la ciudad donde crecí, había un misterioso individuo cuyo pasado era completamente desconocido. Se trataba de una figura desgastada por el paso del tiempo que sólo contemplaba el correr de los días, acostado en una plaza, la misma que sirvió como cancha de fútbol para nuestros primeros encuentros con amigos de la primaria.

De barba prominente, dudosa higiene y harapos que servían como ropa, este hombre no recibía ni aceptaba ninguna ayuda. Sólo quería que no lo molesten, que lo dejen tranquilo, hundido en sus emociones.

Las leyendas sobre uno de los más enigmáticos habitantes de aquella ciudad/pueblo no se si hicieron esperar. La que nos contaron de chicos, la que todavía hoy creemos que es real, es que se trató de un talentoso boxeador que alguna vez fue un deportista exitoso y prometedor, pero que diversos errores, varios golpes en la cabeza y otras malas decisiones lo habían transformado en aquella figura triste que tanta atención –mezcla de ingenuo y curiosidad- nos despertaba.

¿Cómo no recordar esa anécdota infantil con los primeros minutos de El Ganador? La historia "real" de Dicky Eklund (Christian Bale), el hombre que había sido capaz de tumbar a Sugar Ray Leonard y que luego se vería consumido por su adicción al crack, me trajo inevitablemente aquellos recuerdos que permanecían pululando en algún lugar de mi ser.

Sin embargo, la nueva película de David O. Russell (Tres reyes, Yo amo Huckabees) no muestra sólo la decadencia de este boxeador, sino que se centra principalmente en su medio hermano: Mickey Ward (Mark Wahlberg) y su difícil ascenso al estrellato. La relación con su madre y sus siete hermanas, las figuras masculinas de su vida (empezando por el propio Dicky: “Eres mi héroe” le dirá en pleno conflicto) y una mujer (Amy Adams) que lo ayudará a ver todo de una nueva manera, son los principales puntos de esta película.

Las posibilidades de comparar a El ganador con otros títulos de boxeo como Toro salvaje, Million Dollar Baby o Rocky no serían injustas. Sin embargo, vale decir que este film, nominado a 7 premios Oscar, tiene identidad propia.

Dividida en dos partes muy claras, la primera pondrá en evidencia el conflicto entre los personajes del film y la complicada relación entre la familia, que prefiere negar los problemas antes que enfrentarlos. La segunda sí muestra la carrera de Ward desde el punto de vista deportivo.

Tal vez la mayor diferencia que plantee El ganador sea la del lugar de observación. Mientras otros títulos forzaban la idea de la superación personal como idilio del sueño americano, Russell expone al boxeo como un juego de estrategia, como un deporte de pensamiento y estudio: “En una riña, peleas. Tú me pegas, yo te pego. El boxeo es como un juego de ajedrez” explica Mickey.

La cuidada estética que ofrece el film también es uno de los puntos a favor. El uso de imágenes reales (la pelea entre Eklund y Ray Leonard), sumados a la decisión de mostrar los combates como si de una transmisión en vivo se tratara, vigorizan la idea de las cadenas televisivas como referentes del negocio escondido detrás de cada combate.

Con todos sus hallazgos, la principal característica del film es sin dudas la de su reparto. No sólo por un Christian Bale que compone al personaje más complejo y difícil de digerir, sino también por un Wahlberg que, desde su lugar, logra cargar con una mochila de peso: ser el centro de todos esos argumentos. Las presencias femeninas de Amy Adams y Melissa Leo también ayudan a engalanar la película.

En algunas ocasiones el cine, como cualquier pieza artística, tiene la capacidad de remover sentimientos de una manera extraña: melancólica y hermosa a la vez. No pude dejar de sentirme identificado con esta historia, tal vez porque rozó un tema que inexplicablemente me transportó a una infancia de aire libre, pelotas de fútbol y sonrisas genuinas.

Pocos saben qué fue de la vida de nuestro singular habitante. Alguna vez escuché que había muerto, otros dicen que permanece bajo cuidados en un hospital psiquiátrico. Más allá de una incógnita que espero resolver, otra pregunta empuja desde algún lugar escondido y gana espacio: ¿Qué es el cine sino la capacidad de reconocerse a uno mismo y las propias experiencias a través de la pantalla?

Algunas obras, no importa lo superficiales o profundas que sean, permiten soñar, viajar y trasladarse a un lugar que se creía olvidado. El ganador lo logró conmigo. Y por eso se merece mis respetos.


CALIFICACION: 9
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TITULO ORIGINAL: The fighter

ACTORES: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams. Melissa Leo.

GENERO: Drama.

DIRECCION: David O. Russell.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 115 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 año

Ella usó su cabeza como un revólver

En un año donde la gran mayoría de las películas nominadas al Oscar llegan a la pantalla grande antes de la ceremonia de premiación, la nueva película de Darren Aronofsky es probablemente la que mayores ambigüedades genere.

Tildada por muchos críticos como una obra maestra, y por otros como un título presumido, lo cierto es que El cisne negro no puede estar exento de esa polémica que ya ha levantado.

Y es que si bien la prioridad está puesta en desnudar algunas de las tantas miserias que cualquier ámbito unipersonal (deporte, arte) de gran competencia exige, el film también resulta una trampa pretenciosa de marcado (su)realismo sobre la transformación del ser humano y el sacrificio que la perfección exige.

La historia sobre a una bailarina de ballet (Natalie Portman, inminente ganadora de la estatuilla) que acaba de conseguir su primer papel protagónico para interpretar una nueva versión de El lago de los cisnes, sobre cómo la preparación y las propias exigencias del director (Vincent Casell, siempre convincente) trastocan su personalidad, más la aparición de una despreocupada colega que amenaza con ocupar su puesto (Mila Kunis), guarda no pocos secretos.

Drama disfrazado de thriller psicológico, vinculado directamente al clásico de Michael Powell, Las zapatillas rojas, pero también a parte de la filmografía del Roman Polansky más alucinatorio (no sólo Repulsión, sino también El inquilino o El bebé de Rosemary), el nuevo trabajo de Aronofsky vuelve a mostrar los rasgos de la obsesión que ya había expuesto en su ópera prima Pi o en Réquiem para un sueño.

Irreprochable desde el punto de vista técnico, los caminos que comenzará a ahondar se verán bifurcados por una confusa dualidad entre lo real y lo imaginario que muestra los principales problemas del film.

Película de espejos y reflejos rotos, de blancos y negros, de escenarios y sueños; la presunta aproximación a lo irracional de la protagonista, más los sometimientos de la propia autoconsciencia terminarán arrastrando al espectador a una resolución de sabor agridulce –sin entender el concepto como una revelación de la trama- que poco tendrá que ver con sus principales encantos.

El cisne negro es una de esas películas que impulsa a la discusión, al debate y al intercambio de opiniones. Algunas buenas ideas, y un conjunto de bondades que enaltecen su contenido, chocan con ciertas manipulaciones que por fraudulentas, suenan poco sinceras. A pesar de todo, las cinco nominaciones a los Oscars (que también incluyen Mejor Película), sumados a sus evidentes hallazgos invitan a, por lo menos, sacar veredictos propios.


CALIFICACION: 6
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TITULO ORIGINAL: Black Swan

ACTORES: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel. Winona Ryder, Barbara Hershey.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Darren Aronofsky.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 107 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años

Abrazo de oso

Coqueteando con la animación digital y el trabajo de actores reales, la adaptación al cine de El oso Yogi parecía ser más una excusa para que los adultos vuelvan a divertirse como antaño, cuando disfrutaban del dibujo animado en televisión, que la presentación a nuevas generaciones.

Porque si bien la película recrea fielmente las aventuras de los personajes salidos de la fantástica pluma de la dupla Hanna-Barbera, hay algo que hace ruido, que no está bien.

En principio, la diferencia sustancial entre los personajes dibujados y los animados digitalmente, sumados a la mixtura con locaciones y actores reales –que nunca termina de funcionar del todo bien- le quitan personalidad al film en su conjunto.

La historia se basa principalmente en la relación entre Yogui y Bu Bu con el guardaparque Smith (Tom Cavanagh), y sobre cómo deberán evitar que el alcalde Brown clausure Jellystone y lo venda, debido a las pérdidas económicas que éste genera. Con la ayuda de una documentalista (Anna Faris), los protagonistas intentarán impedir que sus hogares se cierren definitivamente.

Basándose en una básica premisa, la película que dirige Eric Breving (Viaje al centro de la tierra) presenta una serie de situaciones que, por demasiado simples, nunca terminan de ser lo suficientemente graciosas.

Así el film se apunta como un título expresamente para chicos –no más de 9 años- y allí presenta su mayor dicotomía. Porque aquellos que busquen algo del original que todavía hoy se emite en algún canal de cable, encontraran una historia muy poco atractiva.

Entonces, el principal problema de El Oso Yogi pasa por su propia intención. Detrás de uno de los nombres más importantes del mítico estudio norteamericano, responsable de gemas como Los Picapiedras o Los Supersónicos, hay una película que no engancha ni siquiera a los más pequeños y que -por ende- no hace honor al nombre que lleva.

Por suerte, previo al film, se proyecta un muy buen corto sobre otros personajes míticos de la pantalla chica: El Coyote y el Correcaminos. A fuerza de un humor físico que no pierde vigencia con los años, este pequeño metraje logra sacar más de una sonrisa que sí se siente como una tarde de chocolatada frente al televisor.


CALIFICACION: 5
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TITULO ORIGINAL: Yogi Bear

ORIGEN: Estados Unidos.

ACTORES: Tom Cavanagh, Anna Faris.

DIRECTOR: Eric Brevig.

DURACION: 80 Minutos

CALIFICACION: Apta todo público

Ni respetuoso con el estereotipo

En este Hollywood tan falto de ideas, el anuncio de una adaptación a la pantalla grande del siempre vigente Los viajes de Gulliver no sorprendía, aunque si generaba ciertos prejuicios de antemano.

Pues bien se sabe que el contenido de la novela que creara Jonathan Swift en 1726 era –muy a pesar de su considerado contenido infantil- una cruda crítica sobre la realidad política europea y una sátira evidente respecto a la condición humana.

Vale decir entonces que esta edulcorada versión no sólo no es más que una sombra de lo que representa el título en su totalidad, sino que incluso utiliza el nombre Gulliver con la extraña herencia que los años le han dado a la historia: el famoso navegante que despierta en una isla rodeado por pequeños hombres y vivirá algunas aventuras junto a ellos. Quedan de lado entonces las visitas a Brobdingnag (sólo se le otorga cinco minutos en el film), Laputa o la ciudad de los Houyhnhnms, por citar algunos.

La película que dirige Rob Letterman, con antecedentes exclusivos en el mundo de la animación (realizó El Espantatiburones y Monstruos vs. Aliens) cuenta como principal atractivo con el protagonismo de Jack Black (mucho menos histriónico que en sus mejores películas) acompañado de un gran –y desperdiciado- elenco: Emily Blunt. Amanda Peet, Jason Segel, Billy Connolly y Chris O’Dowd.

Aquí Lemuel Gulliver no será un doctor amante de los viajes, sino un encargado de correo que, decidido a conquistar a una mujer, emprende un viaje hacia el Triangulo de las Bermudas con el fin de escribir una nota para un periódico. Perdido tras una tormenta, el personaje despierta –cómo no- atado de pies a cabeza en Lilliput, un reino habitado en su totalidad por diminutos seres humanos.

Precisamente la historia se encarga de tomar sólo los pasajes más conocidos de Los viajes de Gulliver para readaptarlos y mezclarlos con gags sobre ciertos temas de la cultura popular moderna (desde chistes con Avatar y Titanic, hasta unos Kiss lilliputienses).

Pero el problema es con el guión de Joe Stillman y Nicholas Stoller, que parece no dejar afuera ningún lugar común, moralina sobre el sueño americano del “hazte valer por ti mismo” incluida. Los inconvenientes alcanzan incluso para avalar al Gulliver yanqui como un colonizador capaz de transformar a la noble capital del reino en un Times Square neoyorquino, que cambiará no sólo las conductas de los habitantes sino también su forma de hablar y vestir. Toda una muestra de principios.

La película intenta ser una simpática exposición de las capacidades actorales de un Black que no logra demasiado entre tanto metraje estructurado. Pero deja tan de lado las vanidades de la historia original, que ni divierte ni invita a la reflexión.

Los viajes de Gulliver se centra en el estereotipo más superficial de la novela de Swift, a punto tal que bien podría ser comparada con una película del Quijote, en la que el noble caballero hidalgo sólo se la pase peleando contra molinos de viento. Ojala nunca pasemos por –otra- experiencia semejante .

CALIFICACION: 4
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TITULO ORIGINAL: Gulliver´s travels

ACTORES: Jack Black, Emily Blunt. Amanda Peet, Jason Segel.

GENERO: Comedia, Aventuras.

DIRECCION: Rob Letterman.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 85 Minutos

CLASIFICACION: Apta todo público

El maquinista de la general

A esta altura de su carrera ya no sorprende que Tony Scott disfrute enalteciendo a hombres normales, con problemas cotidianos pero que devienen en héroes por un hecho concreto. Y en ese sentido, Imparable no es la excepción.

Un tren que es puesto en marcha por error, sin frenos y cuyos vagones contienen un cargamento de alto nivel químico, amenaza convertir al sur de Pensilvania en el nuevo Chernobyl. Y allí estarán dos maquinistas, el experimentado Frank, con más de 20 años trabajando para la empresa y el joven Will, acusado de estar a cargo del puesto por un acomodo de su familia; intentando detener la maquinaria en marcha, antes que todo se convierta en una tragedia.

Con pocos elementos, el Scott menos solemne (el más preciso y atractivo, pero también el menos atrevido) construye un thriller vertiginoso, con un montaje que imita la velocidad del tren y no da descanso.

Imparable bien podría ser Máxima Velocidad, pero del siglo XXI. Sólo que aquí hay una diferencia sustancial: no existe en esta película una amenaza terrorista, o un villano tentado por una cuantiosa suma de dinero. El peligro lo constituye el propio sistema americano (trabajadores alienados, empresarios desinteresados por el valor de la vida), como posible bomba latente a punto de estallar.

A pesar de estos interesantes guiños, el poco trabajado guión hace que la premisa principal se desinfle con el correr de los minutos y se sostenga sólo por un buen trabajo de edición y por el vertiginoso ritmo del tren/film.

Las historias paralelas en la vida de los protagonistas, el ya masivamente consagrado Denzel Washington (que aquí parece trabajar en piloto automático) y un correcto Chris Pine, intentan darle algo de variedad a la cinta, pero la obviedad aparece como un elemento que hecha por tierra cualquier noble intento.

A pesar de ser un director de los más interesantes en Hollywood, el último trabajo del responsable de Deja Vu, Hombre en llamas, Enemigo público, Top Gun y Escape salvaje entre otras, no está a la altura de lo que se espera. De hecho, la similitud con su propia remake de Escape del Metro 123 (estrenada en 2009) bien podría jugarle en contra.

De todas maneras, Imparable no es una película que disgusta; sino que invita a imaginar un atrevimiento mayor. Si bien se agradece el poco uso de CGI (tan corriente en el cine industrial de hoy en día), la película carece de todo factor sorpresa: comienza y termina en un mismo tono. ¿Se la puede acusar por ello? Pues no, pero tampoco ofrecerá una experiencia demasiado alentadora, o tan siquiera distinta. Al fin y al cabo, será el espectador el que decida.

Calificación: 5.
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TITULO ORIGINAL: Unstoppable

ACTORES: Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawson. Kevin Corrigan, Kevin Dunn.

GENERO: Suspenso, Acción.

DIRECCION: Tony Scott.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 98 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Game over

Otra vez los efectos especiales hacen de las suyas en esta especie de remake/secuela de la compañía Disney, que retoma una vieja historia estrenada allá por 1982 y que aquí no es más que una excusa para dar lugar a la explosión CGI y efectos 3D con muchas luces de Neón.

De alguna manera, la historia de Tron, el legado es la presentación para las nuevas generaciones, de un mundo visto hace ya más de 20 años, con la suficiente cantidad de guiños para el público que todavía recuerda esa primera parte escrita y dirigida por Steven Lisberger.

En esta ocasión, el hijo de Kevin Flynn (Jeff Bridges), el protagonista de la historia original, todavía siente la ausencia de su padre, luego que éste desapareciera sin dejar rastros por más de 20 años. A través de un misterioso mensaje, el joven Sam descubrirá cómo ingresar al mundo de realidad virtual que éste había creado. Allí no sólo descubrirá una realidad completamente nueva, sino que también deberá embarcar un viaje épico dentro del videojuego que mantuvo encerrado a su padre durante tanto tiempo.

La peculiaridad de Tron, el legado es que, a diferencia de su predecesora que significó todo una innovación en el uso de herramientas digitales en el cine, esta historia pierde su principal cualidad. Porque hoy el uso de los efectos computarizados es casi esencial en el cine industrial, y porque narrativamente hablando, no hay demasiadas justificaciones (emociones, sorpresas) sobre lo que vemos en pantalla.

Exponente fiel de una era new age que se apoya en el arte pop (en este caso de la mano del dúo musical Daft Punk, que acompaña la banda sonora compuesta por Hanz Zimmer) para reforzar la enorme cantidad de imágenes y colores que saltan desde la pantalla, la película cuenta con un importante compromiso de Jeff Bridges, quien en este caso asumirá dos papeles (el bueno y el malo respectivamente) y una divertida participación del gran Michael Sheen.

Por el resto, una simple historia que sobrevivirá en la taquilla gracias al 3D predominante que tantos resultados beneficiosos (para la industria) han dado. Un debut en la dirección del diseñador digital Joseph Kosinski, que deja sabor a poco, muy poco.

CALIFICACIÓN: 5
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TITULO ORIGINAL: Tron Legacy 3D

ACTORES: Garrett Hedlund, Jeff Bridges. Beau Garrett, Michael Sheen, Bruce Boxleitner, Olivia Wilde.

GENERO: Ciencia Ficción.

DIRECCION: Joseph Kosinski.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 125 Minutos

Lanzar la primera piedra

Alejandro Amenábar es un virtuoso realizador que siempre supo ofrecer buen cine desde diversos puntos de vista. Ya sea a partir de su fantástica ópera prima Tesis (cuya inspiración se centra en el muy interesante texto de Román Gubern, La imagen pornográfica y otras perversiones ópticas) hasta la oscarizada Mar Adentro, y Los Otros, todas sus películas mantuvieron, con sus diferencias, un mismo perfil.

No suena raro entonces que Agora, esta superproducción española hablada en inglés de 75 millones de dólares, haga tanto ruido en el mundillo cinéfilo. En principio porque toca –otra vez- un tema polémico: el nacimiento del cristianismo, la diferencia entre ciencia y religión y la capacidad humana para tergiversar los escritos dogmáticos a favor personal.

La influyente figura de Hipatia (una siempre correcta Rachel Weisz) en el Egipto dominado por el Imperio Romano en el Siglo VI, será el nudo de todas y cada una de las historias del film. En principio como la filósofa encargada de formar a jóvenes estudiantes, luego como la protagonista de un blando trío amoroso que nunca llega a tomar trascendencia y finalmente como la consejera y principal disputa de una civilización dividida por las ideologías imperantes que poco a poco ganaron espacio en el fervor popular.

Porque más allá de la trifulca naciente entre judíos y cristianos, la intención de Amenábar es subrayar –tal vez en extremo- la capacidad del razonamiento para excusar en el don divino cualquier atrocidad. Allí, donde la denuncia suena como un grito desesperado de atención hacia el conflicto en Medio Oriente, aparece el humano como simple individuo cuya ignorancia le permite justificar todo acto de violencia, todo homicidio aberrante, como una coartada que tiene por fin único aquello que siempre fue el objetivo principal de toda contienda: la obtención de poder.

En este sentido, Agora se transforma en una punzante protesta contra los fanatismos divinos del hombre, tan presente y tan marcada como lo hicieron –aunque en un modo muy distinto- los Monthy Pithon en La vida de Brian, alegoría absoluta sobre la interpretación subjetiva que desprende cualquier escritura divina.

Más que biopic sobre la figura de una brillante matemática y filósofa, esta pomposa superproducción con predominantes planos cenitales (aquel lugar desde donde Dios mira a sus discípulos) intenta plantear la polémica de cómo la necesidad de la creencia religiosa sirvió como alegato de todo lo que no está al alcance de la razón.

No hay explicación, no hay fundamentos, no hay posibilidad de diálogo, es así o no será. El individuo como destrucción de toda construcción práctica (cristianos incendiando la Biblioteca de Alejandría), permite varias lecturas sobre cómo evolucionaron los dogmas desde aquellos días hasta hoy.

Las incipientes alegorías y la sorprendente incapacidad para desarrollar los correlatos presentados no impiden que Agora ponga en evidencia que, para disfrutar de una historia épica, no es necesario mostrar siempre espadas, batallas y guerreros. Porque no sólo de ellos se ha construido la historia.


Calificacíon: 7
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TITULO ORIGINAL: Agora

ORIGEN: España.

ACTORES: Rachel Weisz, Oscar Isaac, Max Minghella.

DIRECTOR: Alejandro Amenábar.

GENERO: Romance, Histórica, Drama.

DURACION: 124 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

El Lex Luthor de Dreamworks

Las productoras de Hollywood suelen entrar en una fastuosa competencia para ver quién ofrece el mejor, más original y divertido título a su público. En el campo de la animación, la puja es bastante más compleja (principalmente por el tiempo de realización que llevan los dibujos digitales, más que por el presupuesto que exigen).

Pensándolo de esta manera, no resulta entonces casual que en tiempos relativamente cortos se estrenen trabajos similares. Sucedió con Bichos y Antz, y con Madagascar y Vida Salvaje.

En este año, el caso se repite con el film que estas líneas generan. Porque Megamente es un trabajo que –al menos en su concepto más amplio- se parece en mucho a Gru, mi villano favorito, de Universal, estrenada hace algunos meses atrás.

Sin entrar en comparaciones y juzgando al último trabajo de Dreamworks por lo que es, vale decir que la película logra parodiar con cierta gracia al mundo de los superhéroes –mejor dicho, al estereotipo de ello- prolongando hacia un costado más razonable el porqué de la existencia del bien y del mal.

De similar forma a lo que sucediera con Superman, un pequeño bebé sumamente inteligente y otro con grandes poderes son enviados desde un planeta a punto de estallar hacia la Tierra. Por “caprichos del destino” (tal y como lo menciona la voz en off del protagonista), uno de ellos crecerá en una familia acomodada de manera feliz. El otro, por su parte, será educado por reclusos con bajo coeficiente intelectual.

Con el correr de los años, estos rivales se encontrarán en lugares en común –la escuela es uno de ellos- para comprender cuál es el papel de cada uno en la vida del otro. Ya adultos, el joven fuerte se convertirá en Metro Man, defensor de Metrociudad; su archi enemigo será entonces Megamente, quien buscará conquistar aquella urbe.

Con un promisorio inicio en el que entendemos los motivos de cada uno por ocupar ese lugar, la historia se centra no en el héroe, sino en el villano: un personaje simpático por su ineptitud y constancia, que hará las delicias de los más chicos.

Por supuesto el film desarrollará una historia que incluye a una Luisa Lane propia (la reportera Roxane, con bastante más temple que cualquiera de las parejas femeninas de superhéroes), un camarógrafo ingenuo y el ayudante de nuestro protagonista: un pez inteligente incrustado en un cuerpo robótico.

En sí, el desarrollo técnico de Megamente es formidable, con escenas llenas de color y momentos que alcanzan altos grados de emoción; además el trabajo de dibujo en ciertos pasajes es realmente brillante.

Pero donde la película encuentra su talón de Aquiles es en el guión. No porque el director Tom McGrath (responsable de la antes mencionada saga de Madagascar, también de Dreamworks) no alcance a impregnar de aventura, romance y diversión al metraje; sino tal vez por su falta de delirio, su correcto devenir y hasta su carencia de valor para llevar lo histriónico de la propuesta un poco más adelante.

Comprendiendo que se trata de un film familiar, se agradecen los guiños al público adulto, que aparecen como pinceladas entre tanto gag físico y chiste rápido más fácil de asumir.

Sin la posibilidad de disfrutar del trabajo de los actores en su idioma original (entre los que aparecen el genial Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill y Brad Pitt) y a pesar de cierta similitud con el film de Pixar, Los increíbles; Megamente es un producto que termina por ofrecer un rato agradable para grandes y chicos, sin mayores pretensiones.

En ese sentido, no puede caerle encima ningún tipo de prejuicio. Muy a pesar de ello, la necesidad de mayor desfachatez hace que una vez fuera de la sala, el espectador se quede con la impresión de que este producto, con un poco más de tiempo de trabajo, podría haber sido definitivamente mejor.

Calificación: 7
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TITULO ORIGINAL: Megamind

GENERO: Animación.

DIRECCION: Tom McGrath.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 96 Minutos

CLASIFICACION: Apta todo público.

Con sello inconfundible

Tras el falso trailer de este largometraje, aparecido por primera vez en los avances del proyecto Grindhouse -que realizó junto a su amigo Quentin Tarantino- Robert Rodríguez demuestra una vez más que sabe renovarse constantemente, a pesar de insistir con los estereotipos.

Se trata de un caso raro. Porque el director de Sin City y Érase una vez en México entre otras, no se caracteriza por usar ideas necesariamente originales; sin embargo su mayor fortaleza se expone cuando amalgama temas que ya han sido tratados (historias que incluyen desde asesinos solitarios, vampiros y zombies, hasta espías infantiles) pero con el toque inconfundible de un realizador que ha ganado renombre a base de entretenimiento puro y duro.

Y Machete no es la excepción a la regla, porque después de ver al mítico Danny Trejo camuflado en cuero, con sus cuchillos, tatuajes y arrugas durante los primeros minutos de la película, uno ya sabe con qué va a encontrarse.

En este sentido, Rodríguez da un paso adelante cuando otros ya hubiesen retrocedido, y jerarquiza al actor por sobre el personaje. Imposible entonces, no disfrutar de gemas como el desquiciado político que encarna Robert De Niro, el siniestro mafioso que compone Steven Seagal, el cura pistolero de Cheech Marin o la auto parodia en la que se convierte Lindsay Lohan. Caso contrario sucede con los roles femeninos principales, a cargo de Jessica Alba y Michelle Rodríguez quienes, a pesar de sucumbir ante los encantos de Machete, resultan constantemente exageradas.

El film cuenta la historia del personaje del título: un policía federal de México que ha sido expulsado del cuerpo, tras ser traicionado y ahora intenta sobrevivir en la frontera que une al país con Estados Unidos. Allí un prolífico senador en busca de una reelección intenta demostrar los peligros que implican la aceptación de inmigrantes en territorio norteamericano. Mientras tanto, un grupo narco planea hacerse del lugar para poder controlar los ingresos y egresos de productos en ambos países.

En este contexto, Machete es contratado para realizar un asesinato, pero luego de sufrir un nuevo engaño, decide ir en busca de venganza no solo de aquellos que quisieron arruinarlo, sino de quienes provocaron terribles males en su pasado.

Si bien las denuncias pueden resultar obvias, la bajada de línea sobre la política de inmigración que sostiene la película no deja de ser contundente; y a pesar de contar con el apoyo de las grandes productoras norteamericanas (no sin algunos problemas a la hora de su estreno) el tema es eje central del conflicto.

Por supuesto que, a la larga, todo el metraje es una gran excusa para que el director tejano dé muestras de su inagotable capacidad para crear escenas de violencia a-la-clase-B, sin perder su estilo.

Machete es una película violenta y bizarra que resulta en un homenaje al viejo cine de bajo presupuesto, y que se mixtura con importantes dosis de humor negro, western y gore. Tal vez el film no resulte apto para almas sensibles (casi como toda la filmografía de su director) pero su innegable calidad y capacidad de entretener, hacen de éste un título que termina siendo irresistible.


Calificación: 6
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TITULO ORIGINAL: Machete

ACTORES: Danny Trejo, Michelle Rodriguez. Jessica Alba, Robert De Niro, Steven Seagal, Lindsay Lohan, Don Johnson, Rose McGowan, Cheech Marin, Daryl Sabara, Carlos Gallardo.

GENERO: Acción.

DIRECCION: Robert Rodriguez.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 104 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años

Los tres mosqueteros

Hay algunos casos en los que reflexionar sobre un film es sólo una excusa para hablar de ciertas cuestiones que hacen a su cometido en general. Porque, seamos sinceros: poco le puede importar a los fanáticos lo que se diga sobre la saga Harry Potter; siempre elegirán disfrutar fundidos en sus falsos anteojos redondos.

A decir verdad, la primera parte del séptimo y último libro tiene todo aquello que convirtió al personaje de J. K. Rowling en un fenómeno de masas con pocos precedentes. “Llegará el día en que todos conozcan el nombre de Harry Potter” anunciaba proféticamente uno de los personajes en el primer film, tal vez sin imaginar (intenciones de productoras aparte) lo que provocaría en una generación de jóvenes que consumieron sus libros y películas casi de manera religiosa.

Pero hay una apuesta que bien podría ser destacada en esta Harry Potter y las reliquias de la muerte. Por primera vez, el peso de la película (por ende, de la franquicia) cae en manos de Radclife, Wattson y Grint: es decir, en Potter, Hermione y Ron respectivamente, a quienes vemos en el 90% del metraje en la pantalla. Esto implica que, mirando con un poco más de cuidado, la saga entera es sobrellevada por tres adolescentes que simulan ser personajes de ficción y no son más que chicos con la responsabilidad de conformar a todos. Pensándolo así, tal vez podríamos decir que los jóvenes actores no caen tan mal parados.

En esta antesala del final anunciado para julio de 2011 -es decir, la primera de la última parte- Harry y sus amigos deben escapar de las garras de Voldemort, quien se ha apoderado de la escuela de Howarts, mientras se encargan de destruir los Horrocruxes, fragmentos del alma que contienen todo el poder del señor tenebroso; tarea que habían emprendido con el ya desaparecido Dumbledore.

Con una puesta en escena mucho más arriesgada (los personajes se transportarán por todo Inglaterra), este séptimo film prácticamente suprime a los personajes secundarios a quienes sólo les otorga sendos cameos durante todo el metraje.

En este sentido, Las reliquias de la muerte mantiene el suspenso, la oscuridad, y hasta la violencia que el director David Yates había impuesto en El misterio del príncipe. Metáfora literal del difícil paso de la infancia a la adolescencia que afrontan los personajes, el arriesgado cambio que supone la dictadura impuesta por Lord Voldemort (que al igual que en la reciente La leyenda de los guardianes, establece un paralelo con el nazismo durante la Segunda Guerra) logra buenos momentos dramáticos, tal vez mucho más difíciles de digerir que aquellos primeros films donde la importancia estaba en los partidos de Quidditch.

Con una esencia que respeta al máximo los puntos fuertes que hicieron de las películas de Harry Potter un fenómeno a gran escala, esta cinta no es más que el preludio -estiramiento innecesario cuyo único argumento real es la máxima explotación comercial- de algo que está por venir. Es decir la antesala del clímax cinematográfico que supuestamente significará la segunda parte de Las reliquias de la muerte.

Por el resto, un constante detenimiento en detalles del mundo de Rowling que, para aquellos que no somos más que espectadores casuales de esta saga, resultarán sin duda apabullantes, abrumadores y hasta confusos. Pero claro, comercialmente hablando, la necesidad de recordar, revivir, rememorar o consultar por vez primera los seis films predecesores, llevan a un calculado circulo vicioso marketinero.

Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 1, respeta en esencia aquello que los fanáticos esperan ver sin ofrecer nada de más. Aquel que a estas alturas elige entrar a la sala es porque o bien sigue la historia desde el principio, o está dispuesto a dejarse “hechizar” por ella.

Todo espectador que prefiera mantenerse al margen sabe perfectamente que en vano es rechazar el impacto mediático -y literario- que el pequeño mago ha causado. En ese caso, será preferible mirar de costado cómo colas y colas de adolescentes llenan las salas una y otra vez, entendiendo que el cine también es un espacio de recreación, imaginación y consumo. Ni más ni menos.

Calificación: 6
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TITULO ORIGINAL: Harry Potter and the Deathly Hallows

ACTORES: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Emma Watson. Matthew Lewis, Tom Felton, Maggie Smith, Robbie Coltrane,

GENERO: Fantasía, Aventuras.

DIRECCION: David Yates.

ORIGEN: Reino Unido.

DURACION: 146 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Inconsciente colectivo

Luego de los buenos resultados que provocó la sorprendente comedia ¿Qué pasó ayer?, el director Todd Phillips vuelve a la carga con una película “de transición” en la cual reúne a una pareja que funciona con buena química y buen timing, a pesar de la decadencia en la que entra el film con el correr de los minutos.

No se trata de pensar en Todo un parto como un título arriesgado, porque de hecho no lo es. En cambio sí, busca revitalizar el valor de la amistad masculina generado en situaciones que rozan el inverosímil (la escena en la frontera con México es prueba de ello) y que apunta, con mal tino, al costado más humano del espectador.

Peter Highman (un revitalizado Robert Downey Jr.) es un arquitecto que debe llegar a Los Ángeles para asistir al nacimiento de su primer hijo. En el aeropuerto, se cruzará con Ethan Tremblay (Zach Galifianakis) un aspirante a actor que busca triunfar en el mundo televisivo de Hollywood. Luego de un incidente en el avión, ambos deberán cruzar gran parte de Estados Unidos en auto, antes que el parto se produzca, debiendo enfrentar -por supuesto- más de una extraña situación en el medio.

Hay que decirlo, la química entre los protagonistas funciona más que bien. Nada se puede agregar respecto a la nueva etapa en la carrera de Downey Jr, luego del batacazo que le produjo ponerse en la piel de Tony Stark en Iron Man y su ingeniosa participación en Una guerra de película. Aquí encarna al personaje serio que la pareja necesita para que el otro destaque. Ése opuesto, a cargo de Galifianakis, sirve para reivindicar a un intérprete que ha demostrado su capacidad cómica en la mencionada ¿Qué pasó ayer? y la posibilidad de otros matices en cintas como Fuerza G, de Disney.

A pesar de las buenas actuaciones, el verdadero problema de Todo un parto aparece cuando el director da rienda suelta a situaciones que por groseras (lo cual no sería necesariamente malo) parece por momentos insultar no la inteligencia del público, sino a su sensibilidad.

A pesar del desarrollo que Phillips le dio a títulos como Aquellos viejos tiempos, Starsky & Hutch, y El viaje censurado –con impares resultados- lo que hace en esta comedia es presentar temas sensibles como gags chocarreros que sirven de puente a una historia que dice ser llevada adelante por la amistad, aunque por momentos muestre lo contrario (la lástima es el único nexo entre un personaje y otro en un principio).

En este sentido, accidentes de autos, enfermedades terminales, disparos accidentales con armas de fuego, violencia contra menores, irresponsabilidades detrás del volante, secuelas de la guerra, abandono infantil, el proceso del duelo… es decir, la tragedia de la vida es aquí el leiv motiv de una comedia que busca reírse de las miserias humanas, pero que termina afectando la sensibilidad de cualquiera que conozca estas desdichas aquí disfrazadas.

Imposible no mencionar también la sospechosa relación de Todo un parto con la mítica cinta de John Hughes, Mejor solo que mal acompañado, referencia que ni siquiera se menciona y que, otra vez, genera al menos cierta displicencia.

A pesar de tratarse de un director que ha demostrado más de una vez sus dotes para la comedia, parece no haber elegido el camino correcto esta vez. Después de los cuantiosos elogiosos recibidos por su último trabajo, Todd Phillips comete el error de intentar sacar provecho con elementos que definitivamente no son graciosos.

Sólo tres cosas pueden salvar a este título del estrepitoso fracaso: el interesante duelo actoral, una gran banda de sonido y la constante referencia a ese ejemplo televisivo de comedia llamado Two and a half men. Por el resto, aquel que busque dejar de lado los problemas por unos 90 minutos, corre el riesgo de salir más lastimado de lo que entró.


Calificación: 5
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TITULO ORIGINAL: Due Date

ACTORES: Robert Downey Jr., Zach Galifianakis. Michelle Monagahn, Jamie Foxx, Juliette Lewis.

GENERO: Comedia.

DIRECCION: Todd Phillips.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 94 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años

Los simuladores

“Existe algo más importante que la lógica: la imaginación”
Alfred Hitchcock.

En muchos casos, una película de acción raya el inverosímil a punto tal que resulta hasta divertido. Sin embargo la línea que separa esta superación de la realidad con el ridículo es verdaderamente fina.

Y esto es algo que se tiene que tener muy en cuenta a la hora de analizar un film como Red. Porque si esperamos ver en la pantalla una cinta que intente mostrar cómo es la vida de un agente de la CIA retirado, pues esta no es la opción correcta.

Empecemos por el principio. Bruce Willis encarna a Frank Moses (cuyo nombre no pude separar nunca de la mítica Moses supposes que bailan Gene Kelly y Donald O’Connor en Cantando bajo la lluvia, aunque eso fue un problema mío), un "Retired and Extremely Dangerous", que decide reunir a su viejo equipo de trabajo, luego de que un grupo comando intenta asesinarlo, para ir en busca de aquellos que ya no lo(s) quieren con vida.

Y aquel “viejo equipo de trabajo” no es más que la conformación de un reparto de estrellas verdaderamente tentador. También hay que decirlo: las conocidísimas caras que están detrás de este proyecto forman parte de su principal atractivo.

Además de los naturalmente disfrutables papeles de Morgan Freeman, John Malkovich y Richard Dreyfuss; lo destacable es ver a una actriz de la talla de Helen Mirren, encarnando a una asesina despiadada capaz de disparar incluso contra los que ama, sin perder el encanto de una “reina”.

Pero en este combo de acción y comedia, que prolijamente logró armar el alemán Robert Schwentke (Plan de vuelo), también hay desatinos, que se notan principalmente en la parte humorística.

Porque si bien el film evita el remate obvio, los pasajes que deberían ser graciosos (con el personaje de Malkovich en plano còmic relief), en realidad no lo son tanto y la ironía pierde el hilo que sí se sostiene de mejor manera con las escenas de acción. A esto se suma una pomposa banda de sonido que apabulla con la innecesaria imperiosidad de marcar el ritmo del relato.

Basado en una novela gráfica de DC escrita por el gran Warren Ellis, la propuesta de Red se asemeja a títulos como Matar o morir, o Se busca. Básicamente se trata de una película desenfadada, con muchas balas, algunos chistes graciosos y una estética comiquera, fruto del legado que dejara Sin City en su momento.

A diferencia de Mamma mía, donde parecía que sólo los actores se divertían, aquí el entretenimiento se traslada desde la pantalla exitosamente, prioritariamente por la buena química que se genera entre todo el elenco.

Queda en el tintero la relación con –para nombrar filmes de este año- Los indestructibles y Un hombre solitario, donde cada uno a su manera buscaba la reivindicación no sólo de actores ya mayores, sino de personajes que no logran aceptar el paso del tiempo ni la posibilidad de alejarse de aquello que termina por convertirlos en lo que son. Algo similar sucedía con el sargento James que tan eficazmente interpretó Jeremy Renner en Vivir al límite.

Para ser concretos. Quienes se dispongan a pagar una entrada para ver Red tienen que saber lo que van a encontrar, de otra manera, difícilmente sean seducidos por este metraje.

Si están dispuestos a digerir una historia inverosímil pero entretenida, desfachatada pero prolija a la vez; entonces es muy probable que esta nueva cinta alcance su cometido: divertir con caras conocidas, ritmo frenético y algunas explosiones bien realizadas.

Calificación: 5
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TITULO ORIGINAL: Red

ACTORES: Helen Mirren, Bruce Willis. Richard Dreyfuss, John Malkovich, Morgan Freeman.

GENERO: Acción.

DIRECCION: Robert Schwentke.

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DURACION: 111 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Sólo contra el mundo

La carrera de Ben Affleck ha sido toda una montaña rusa no sólo para él en sus diversos roles (guionista-actor-productor-director) sino también para nosotros, desde este lado de la platea. Porque si En busca del destino (película por la que ganó un Oscar) era el inicio de una prometedora carrera como escritor de films, sus constantes baches como intérprete y sus correrías mediáticas al lado de parejas que eran las delicias de los paparazzi comenzaron a ser un karma para esta joven promesa en potencia.

Sin embargo, el 2007 fue un año revelador para mister Ben: por primera vez se sentaba en la silla de realizador. Y honestamente, entregó un film memorable. Desapareció una noche era la reivindicación de todo lo malo que hasta allí había logrado.

En ese punto de su carrera, una nueva película sería trascendental… corroborar su talento como narrador o poner en evidencia que aquel desgarrador drama era sólo producto de la casualidad. Para erradicar cualquier tipo de duda, llegó Atracción peligrosa (otra vez, un desacertado nombre local para The town, su título original).

Y a esta altura hay que decirlo. Affleck es un excelso realizador. Porque con esta película entrega un policial como hace tiempo no se veía en el cine norteamericano. Por suerte para él, Atracción peligrosa puede tener ciertos rasgos en común con Los infiltrados, o Fuego contra fuego (es decir, con el cine de Scorsese y Michael Mann).

En la cinta, Affleck encarna a Doug, el líder de una banda de ladrones de bancos en un barrio bajo de Boston. Después de un golpe en el que deben secuestrar a la gerente del lugar (Rebeca Hall) tendrán que seguir de cerca a la única mujer que podría colaborar con el FBI y entregarlos. A partir de allí, el propio jefe del grupo comando se verá en una paradoja: acercarse a la mujer que fue su víctima para alejarse del mundo en el que vive.

La verdadera fuerza del relato no está en su originalidad. Sino en el clasicismo que inteligentemente plantea el Affleck director. De la misma forma, una rica gama de personajes secundarios complementan el film y disparan historias secundarias que motivan y dan fuerza al resultado general.

El resto del elenco, entre los que aparecen un genial Jeremy Renner (protagonista de la oscarizada Vivir al límite), el siempre eficiente Pete Postlethwaite y Chris Cooper, entre otros, también le aportan credibilidad y química a la interacción de los personajes.

Atracción peligrosa, no desborda originalidad, pero sí ofrece una película de género con momentos verdaderamente buenos (las persecuciones en autos y la escena en el estadio de los Red Soxs), que no buscan generar en el espectador una sorpresa audiovisual, sino mostrar un contenido sólido, fuerte, crudo y por supuesto crítico.

En un cine donde merma el relato por sobre la secuencia, este Ben Affleck director llega para demostrar que es uno de los nuevos y más interesantes realizadores que Hollywood haya brindado en los últimos años. Y por otro lado, refuerza la idea que detrás de la calidad, también puede haber entretenimiento.


Calificación: 9
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TITULO ORIGINAL: The Town

ACTORES: Ben Affleck, Blake Lively. Jeremy Renner, Jon Hamm, Chris Cooper, Rebecca Hall.

GENERO: Suspenso, Drama.

DIRECCION: Ben Affleck.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 125 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 16 años

¡Explotemos al chico Disney!

Nada más lejos de la realidad para este drama meloso que intenta colgarse de la fama de su protagonista, mediando entre una fotografía interesante y un guión que presenta giros presuntamente originales, pero histriónicamente mal utilizados.

Sumado a ello, el empecinamiento que tiene Zac Efron (afrontémoslo, un actor que vende y que potencialmente puede convertirse en un buen intérprete) por alejarse de la híper marketinizada franquicia High School Musical y terminar eligiendo papeles que, irónicamente, lo encasillan insistentemente como el joven de moda –tal vez pasajera, tal vez no, dependerá de cómo desarrolle su capacidad- que aún tiene demasiado por demostrar.

Y ese es el problema principal de Más allá del cielo: lo que supone ser una historia con tintes de fuerte contenido emocional, termina convirtiéndose en una liviana versión romántica que parece salida de la propia Disney.

La historia nos muestra a Charlie St. Cloud (el propio Efron, encarnando al personaje que le da nombre al film originalmente) una joven promesa de un pequeño pueblo norteamericano, que luego de perder a su hermano menor en un trágico accidente, decidirá dejar todo de lado y comenzará a trabajar en el cementerio local, donde el vínculo con el pequeño fallecido no se ha roto y parece haber superado incluso a la propia muerte.

De esta manera, todos los días, en un horario específico, Charlie irá al encuentro de aquel hermano difunto, para jugar béisbol y compartir diversas experiencias. Sin embargo, la aparición de Tess, una joven con sus mismas pasiones, pondrá en duda todo aquello que ha creído el muchacho después de aquel fatídico suceso.

Lejos de las comparaciones obvias con Sexto sentido e incluso con la vieja serie Regalo del cielo, que en su momento realizó Canal 9 (donde, a pesar de lo estúpida que pueda sonar la comparación, se guardan no pocos lugares en común con el film) las cosas en esta película, realizada por Burr Steers (quien volvió a dirigir a Efron luego de la comedia 17 otra vez) no quedan del todo claras.

En principio, porque el espectador no sabe muy bien qué tipo de relación establece el protagonista con los personajes que se van sucediendo, principalmente su hermano. ¿Es un fantasma? ¿Es un ente que permanece en el limbo? Debido a que el contacto físico entre los dos existe, uno no sabe muy bien qué pensar al respecto. Por otro lado las apariciones rutinarias (misma hora, mismo lugar) y desapariciones azarosas (en realidad nunca queda claro si su hermano se “esfuma” o si se dispersa concretamente) tampoco ayudan al respecto.

Y por ello la insistencia en afirmar que el film parece salido de la propia casa creadora de Mickey. Porque donde debería haber una narración verosímil y efectiva, aparecen surcos de sospechoso posicionamiento ideológico, filosófico y hasta religioso –para quien no recuerde, Walt Disney, más allá de su talento, era exageradamente moralista-.

A pesar de cuestiones puntuales, el film tampoco sirve para alejar a su protagonista de la saga que lo llevó a la fama. Porque si bien aquí no canta ni baila, todo se orquesta bajo su propia exaltación.

Así, el personaje demostrará conocimientos en deportes atípicos, carpintería, cocina, recitará poesía, aparecerá con el torso desnudo y un largo etcétera que no hace más que repetir los mismos lugares comunes que lo llevaron tan lejos años atrás (para tener una idea, consultar el afiche en el cine).

Curiosamente, actores como Kim Bassiger y Ray Liotta tienen escasos momentos delante de la pantalla que ayudan a ponerle un poco de variedad al metraje.

A pesar del intento del joven Zac por despegarse de su popular personaje, Más allá del cielo parece ser una historia que queda a mitad de camino: demasiado formal para el público adolescente y definitivamente liviana para el más adulto.

El problema no es el disfrute o no del film, sino el hecho de querer encontrar algo realmente distinto, cuando tal vez no haya sido esa la prioridad.

Calificación: 4
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TITULO ORIGINAL: Charlie St. Cloud

ACTORES: Zac Efron, Amanda Crew. Charlie Tahan, Donal Logue, Ray Liotta, Kim Basinger.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Burr Steers.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 98 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Atrapado… ¿Sin salida?

¿Puede sentirse atraído el espectador por una película con un solo personaje, una única escenografía y una puesta en escena que desafía a los denominados “tanques hollywoodenses”? Pues sí, y la respuesta se encuentra en Enterrado.

Porque si hay algo que identifica a esta coproducción española y estadounidense, es que el equipo de trabajo (conformado en su mayoría por ibéricos) verdaderamente cree en el proyecto. Y se nota.

¿De qué otra manera puede uno de disfrutar de una propuesta cuya composición suena más teatral que cinematográfica? Sólo a través de una delicada utilización de todas las partes que la componen.

La cosa es así. Ryan Reynolds es Paul Conroy, un camionero norteamericano que viaja a Irak para trabajar con una gran empresa transportista. Luego de sufrir un ataque junto a sus compañeros, Conroy despertará en un viejo ataúd de madera sólo con un encendedor, un celular y una petaca. Tras comunicarse con sus agresores (¿terroristas?, ¿bandidos?), el protagonista deberá conseguir una cuantiosa suma de dinero antes de un tiempo estimado, o será abandonado a su suerte. Y allí comenzará un desafío a contrarreloj.

A partir de la relación entre encierro e incertidumbre, el film bien podría ser comparado con El Cubo, las dos primeras El juego del miedo, su compatriota Rec o incluso con Enlace mortal. Sin embargo, todo aquí es más diminuto, más oscuro y más desesperante.

Porque si la sensación de claustrofobia pasaba a ser el miedo principal de los personajes en otro tipo de propuestas similares, aquí la carrera contra el tiempo y la tecnología (la batería del celular y la llama del encendedor amenazan con liquidar la última esperanza del personaje) son los principales enemigos.

Y allí vuelven a surgir las partes de ese todo; cuando desde la butaca se transpira ansiedad y desesperación. Porque comprendemos que nos dejamos llevar por el juego que propone el director español Rodrigo Cortés, al punto de pensar cómo podemos ayudar a ese Paul que magistralmente interpreta Reynolds.

Otra vez volvemos a recordar que lo único visto es un hombre en un ataúd; pero ya no importa tanto, porque la prioridad es la misma que la del personaje: descubrir qué sucede. La perfecta relación entre la oscuridad del cajón y la negrura de la sala nos demuestran que compartimos algo más que su historia: nos identificamos con ella.

Las llamadas en espera, la tecnodependencia, los abusos de las empresas, la victimización de una guerra que nunca se sabe si es propia o ajena. Todo está presente, dispuesto de manera inteligente por el guionista Chris Sparling y mejor explotado por Cortés.

Por supuesto, en el medio, algunas elecciones desatinadas dejan entrever que la cinta no es perfecta; pero aún así cuenta con muchísimos más méritos que fallas.

Enterrado no deja de ser una película cuyo hitchcockiano formato (tensión con pocos elementos, hombre común puesto en situación extrema) se transforma en uno de los títulos más interesantes de esta temporada, todo un ejercicio narrativo y una experiencia por demás interesante para dejarse seducir.

Calificación: 8
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TITULO ORIGINAL: Buried

ACTORES: Ryan Reynolds

GENERO: Suspenso, Drama.

DIRECCION: Rodrigo Cortés.

ORIGEN: España, Estados Unidos.

DURACION: 95 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Los caminos de la vida

Durante la visión de Sin retorno uno puede preguntarse por momentos si el debutante director y coguionista Miguel Cohan reflexiona sobre escapar del destino. En realidad la base del film se sustenta en esta posibilidad. El hombre como consecuencia de una serie de sucesos.

Porque hay que reconocer que a pesar de su relación con títulos como Cuatro vidas y un destino, Crash e incluso con la insufrible Siete almas, este film de factura nacional logra momentos muy logrados en base a un buen guión (quizás muy calculado para algunos) sólidas interpretaciones y un desarrollo técnico impecable.

La duda sobre qué hacer en momentos límites flota constantemente en el aire, poniendo en duda incluso al espectador, generándole un compromiso y una identificación que bien podría resultar aleccionadora, aunque termina por volcarse hacia un costado mucho más digno gracias a la destreza del director.

Todo comienza con un accidente. O con dos. Primero Federico (Leonardo Sbaraglia) quien esquiva una señal de obra en plena calle y termina chocando con la bicicleta de un hombre que había bajado del rodado para recoger papeles importantes. Tras una discusión por la rotura del pequeño vehículo, Federico se aleja, enojado por la casi tragedia. Segundos después, Matías un estudiante de 22 años de clase media-alta, va a impactar contra aquel hombre perplejo en la acera, a quien dejará inconsciente mientras escapa.

Y allí empezará una serie de sucesos que dan cuenta del planteo multilineal del relato. Porque de manera coral, aparecerá el padre de la víctima (Federico Luppi), quien acompañado por los medios de comunicación intentará dar con el responsable del incidente. En el medio, falsas acusaciones, presiones mediáticas y políticas, coimas, arreglos burocráticos falaces y todo tipo de chicanas serán las que pongan en evidencia la trunca realidad del sistema argentino en varios niveles.

A partir de ello, Cohan compone una obra por momentos eficaz y por otros excesiva, principalmente por la utilización de la venganza como mecanismo de autodefensa. Es cierto, una serie de sucesos hacen al destino de un hombre, pero también la vida puede jugarnos una mala pasada (será necesario no olvidar que el motivador de toda la trama es un ciclista que está mal parado en la calle y genera no uno, sino dos accidentes).

De esta manera, el estilo narrativo de la película nos llevará a pensar en un padre sin consuelo, un hombre acusado que es inocente y un joven que debe callar la verdad para salvar su propio pellejo. Y seguramente habrá tantas sentencias sobre los personajes como espectadores dentro de la sala.

Está dicho. Con algunos momentos que fuerzan el relato, Sin retorno es un film que apuesta nuevamente por un cine comercial de calidad. A pesar de los puntos en contra que puedan encontrarse, no hay duda que las grandes interpretaciones (con Sbaraglia, Luppi, Luis Machín, Ana Celentano y Martín Slipak conformando un enorme elenco) y la historia que se apunta desde la pantalla, seguramente generará no sólo una buena experiencia en la sala, sino una aún mejor sensación fuera de ella.

Calificación: 7
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TITULO ORIGINAL: Sin retorno

ACTORES: Leonardo Sbaraglia, Luis Machín, Ana Celentano, Federico Luppi, Martín Slipak .

GENERO: Suspenso.

DIRECCION: Miguel Cohan.

ORIGEN: Estados Unidos, España, Argentina.

DURACION: 104 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

El precio del poder

Hay una diferencia sustancial entre la primera parte de Wall Street y ésta segunda, que hasta podría sonar estúpida: el mundo ya no es el mismo. De aquel 1987 (año en que Oliver Stone estrenó la aventura financiera de Gordon Gekko) hasta aquí, han pasado básicamente un atentado terrorista y una crisis financiera, sin precedentes.

Pero hay algo que no ha cambiado: occidente sigue siendo dominado por el dinero (aquel que “nunca duerme“, tal como predica el subtítulo de esta secuela) y el capitalismo permanece como excusa para que sólo algunas cabezas decidan el destino de la mayoría.

Pero en esta idea que suena a folleto socialista se sienta la base de un título que dice mucho y a la vez no descubre nada. Stone vuelve a apostar por un elenco de gran jerarquía en el que se destaca la vuelta del enorme personaje que le dio a Michael Douglas un premio Oscar -el mencionado Gekko- pero en el que también merodean secundarios que hacen grande al film; Susan Sarandon, el gran Frank Langella, Josh Brolin, y hasta Eli Wallach; el reparto de Wall Street 2 es un verdadero aporte de estrellas que le ofrecen versatilidad a la pantalla.

El título nos muestra a Jacob (el oto protagonista del film, Shia LaBeouf) un joven con un futuro prometedor en la bolsa y pareja de la hija de Gekko. Con la salida de prisión de éste, su intento por reinsertarse en el mercado y el difícil desafío de la crisis bursátil, cada uno intentará hacer su jugada para sobrevivir en el competitivo mundo de las finanzas.

A pesar de un trabajo solvente, la aparición de LaBeouf no logra ocupar el espacio que Charlie Sheen dejó vacío luego de la primera parte. Si bien los personajes no tiene relación alguna, el papel de aprendiz dentro del mercado es de similar origen. Pero claro, en este momento, el protagonista de Transformers no podrá nunca con el carisma que el actor de Pelotón le imprimió a su Bud Fox.

Con una estética muy cuidada, la resurrección de Gekko bien podría ser pensada como la caída y el regreso de un Estados Unidos golpeado por la recesión. Lo sabemos, el director de JFK es una de las caras más “de izquierda” que Hollywood permite mostrar, sin embargo no resulta casual que la visión mitad reaccionaria, mitad cómplice (la película contó con un presupuesto de 70 millones de dólares) llegue en pleno reacomodamiento económico en el país del Tío Sam.

Si Michael Moore reflexiona sobre la situación financiera de EE.UU desde un lugar que no le permite exhibición en salas (su última película Capitalism: a love history se estrenó directamente en DVD en varios países incluyendo a la Argentina) Stone decide decorar su filosofía política con un gran elenco, un montaje vertiginoso y un guión sólido y entretenido; es decir, algunas piedras pesadas guardadas en un enorme y hermoso paquete con moño.

Porque no deja de haber al menos un sesgo de hipocresía en un film que ha alcanzado status de culto (el cual comparto) en una segunda parte que resulta definitivamente menos reaccionaria y hasta más liviana que aquella primera que bien merece el lugar que ocupa.

A pesar de ello, no pierde el atractivo para cualquier cinéfilo que haya disfrutado de la primera historia; tener la posibilidad de volver a ver a Gordon Gekko en pantalla grande y, deleitarse con un reivindicado Michael Douglas es todo un placer.

Por supuesto, y como es costumbre en una industria que tiene como prioridad llevar la mayor cantidad de gente a las salas, no es necesario haber visto la cinta original. Wall Street: el dinero nunca duerme, puede disfrutarse tranquilamente desde cero. Ahora sí, para aquellos que así decidan hacerlo, sepan que tienen una cuenta pendiente. Porque el film de 1987 es casi una película imprescindible.


Calificación: 6
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TITULO ORIGINAL: Wall Street 2

ACTORES: Michael Douglas, Shia LaBeouf. Charlie Sheen, Carey Mulligan, Susan Sarandon, Frank Langella, Josh Brolin.

GENERO: Suspenso.

DIRECCION: Oliver Stone.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 132 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

El increíble hombre menguante

El cómo enfrentar el paso de los años ha sido generador de historias de todo tipo y para diversos soportes. Es que, de alguna manera, la principal lucha que encarna el hombre consigo mismo es contra el miedo a la muerte y al irremediable paso del tiempo.

Y El hombre solitario resulta una eficiente metáfora de aquello a lo que el individuo posmoderno le teme: la vejez. Porque no es casual que el nuevo film codirigido por Brian Koppelman y David Levien sea una reivindicación de lo longevo, de lo socialmente desechable, de aquello que normalmente no forma parte de la prioridad… el hombre adulto.

Ben es un sujeto divorciado que supo ser exitoso en la venta de autos. Ha formado pareja con la hija de un empresario importante del sector para poder revitalizar aquel éxito perdido; sin embargo no está dispuesto a dejar de lado su conducta seductora y su atracción por las chicas más jóvenes. La serie de problemas profesionales y personales pondrán al protagonista en la cornisa en la que deberá elegir qué es lo que quiere para su vida.

Desde tiempos inmemoriales, Hollywood se ha encargado de hacer a un lado a aquello que, por viejo, ya no era “comercialmente” sustentable. Incluso logró dejar afuera de la industria a grandes talentos como Billy Wilder, Gene Kelly e incluso al propio Alfred Hitchcock, durante sus últimos años de vida.

Y en ese sentido el film rescata la presencia de actores que supieron llenar la pantalla en décadas más felices cinéfilamente hablando. Así no sólo la presencia de un Michael Douglas que llena la sala como hace mucho tiempo no lo hacía; sino que la historia se va a desarrollar entre la relación que éste tenga con su ex esposa (Susan Sarandon) y un amigo al que no visita desde hace 30 años (Danny de Vitto).

En medio de esa diáspora, el personaje de Douglas merodea entre una conflictiva relación con su hija (Jenna Fischer, o Pam en la versión americana de The Office), su salud y el interés sexual que despiertan en él generaciones menores.

Porque al igual que el Randy Robison que encarnara Mickey Rourke en El luchador, el principal enemigo de Ben es él mismo. Algo se desestabilizó, algo lo puso en la cornisa y a cambio de no enfrentar el problema se alejará de todos lo que lo rodean.

Por supuesto, de nada serviría un film de estas características si no se juntaran una serie de factores. El primero y principal es la increíble performance que lleva a cabo Douglas, no sólo cargándose la película en las espaldas, sino transformándose en ese Ben que cree tener un as bajo la manga cuando la situación lo amerita. La película se sostiene y se eleva por el alto nivel de un actor que, al igual que en cintas como Wall Street o Bajos instintos, demostró que es un verdadero talento delante de la cámara.

Por otro lado está el guión, que teniendo la posibilidad de caer en la lección moralista y la sensiblería prefabricada, elige respetar y respetarse a sí mismo. Resulta difícil no implicarse con ese protagonista, tal como las chicas a las que seduce, a pesar de conocer sus peores características y sus defectos más evidentes.

El hombre solitario resulta una alegoría muy precisa del desinterés que muestra la sociedad contra la adultez (todos los superiores del personajes serán más jóvenes que él), mientras reflexiona sobre la capacidad de equivocación del ser humano. Se trata de un film atrapante, de precisión milimétrica y de suscitado interés. Por supuesto, la posibilidad extra de ver a grandes actores en papeles a su medida la convierten en una opción para nada despreciable dentro de la oferta comercial de hoy en día.


CALIFICACION: 8
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TITULO ORIGINAL: Solitary man

ORIGEN: Estados Unidos.

ACTORES: Michael Douglas, Susan Sarandon, Jesse Eisenberg, Danny DeVito, Mary-Louise Parker, Jenna Fischer

DIRECTOR: Brian Koppelman, David Levien.

GUION: Brian Koppelman.

DURACION: 90 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años.

El día de la bestia

Una vez más, la propuesta de ubicar al espectador como testigo principal de hechos terroríficos llegan a la pantalla grande, esta vez de la mano de El último exorcismo. Y no es que la película en sí no tenga nada para ofrecer, pero luego de algunos buenos ejemplos del denominado género Mockumentary (ficciones realizadas en formato documental como si fueran reales), las sorpresas empiezan a caer en la bolsa de los reciclados.

La cinta narra la historia del Reverendo Cotton Marcus, un ministro evangélico cuyo abuelo y padre fueron exorcistas. Debido a que Marcus no cree en demonios y fantasmas, ha creado un verdadero espectáculo que incluye efectos especiales para liderar su iglesia y darle a sus seguidores “lo que necesitan”. Decidido a mostrar la farsa detrás de su trabajo, escoge al azar un último caso que filmará al mejor estilo documental para TV, sin saber que esta vez, se enfrenta a algo más grande de lo que imagina. Así acompañado por una microfonista y un camarógrafo (cuyo registro se convertirá en lo que el público ve) se dirige a una granja familiar.

Básicamente, la idea de la película es adentrarnos en el show business religioso que el pícaro, tramposo, estafador, pero carismático protagonista ofrece. Para ello, una muy cuidada introducción permite conocer las intenciones y los objetivos de los personajes.

Pero lo cierto es que, en el momento en que la historia debe mostrar sus mayores virtudes… algo falla. Porque el film juega de manera muy inteligente con el fuera de campo e incluso utiliza recursos que por momentos pueden ser escalofriantes (la niña poseída con cámara en mano), pero durante la mayor parte del tiempo las intenciones del director alemán Daniel Stamm parecen quedar a medio camino.

Porque si el título se emparenta de manera obvia con El Proyecto Blair Witch y El exorcista, no logra ni la sorpresa del primero, ni –por supuesto- el efecto del segundo. De todas maneras tampoco causa esa sensación de claustrofobia que hizo grande a la primera [Rec], ni le encuentra la vuelta narrativa que sí tuvo la decepcionante Actividad Paranormal.

De todas maneras, y esto hay que reconocerlo, las interpretaciones de los personajes principales (Patrick Fabian y Ashley Bell como reverendo y poseída respectivamente) son puntos que hacen creíble un film que, de otra manera, hubiera caído en el estrepitoso ridículo.

Producida por Eli Roth (director de la saga Hostel y amigo/aprendiz de Quentin Tarantino), El último exorcismo intenta merodear en un campo ya demasiado explotado. Atrapado entre El bebé de Rosemary, Holocausto Caníbal y El exorcismo de Emily Rose, invita a debatir con los polémicos temas que toca (violencia en la familia, armas en Estados Unidos y, por supuesto, la fe como un recurso económico) para generar diferencias respecto a un final que, por apresurado y poco eficaz, invita a varias lecturas.

Por el resto, sólo una película que no logrará revitalizar el ya vapuleado género de terror en el cine norteamericano.


CALIFICACION: 5
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TITULO ORIGINAL: The last exorcism

ACTORES: Patrick Fabian, Ashley Bell.

GENERO: Terror.

DIRECCION: Daniel Stamm .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 90 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 año

Sangre, sudor y balas

Silvester Stallone es un nombre que genera tantos odios como amores. Pareciera que el hecho de encausar la mayoría de sus proyectos dentro de un género como la acción fuera algo para objetar en una carrera que sin dudas ha tenido altibajos, pero que supo dejarlo en lo más alto del mainstream norteamericano.

Y en los últimos tiempos demostró porqué. Si Rambo IV era una carnicería de noventa minutos en donde Sly demostraba detrás de cámara cómo podía hacerse una película de acción entretenida, frenética y con ciertos rasgos de gore, pues en Los Indestructibles indica que sabe distinguir entre un proyecto y otro.

Porque con su última película estrenada, Stallone le dice al espectador que hay una diferencia grande entre cada uno de los títulos que dirigió. Y ahí radica, quizás el mayor punto a favor del nuevo trabajo realizado por quien le pusiera cuerpo a Rocky Balboa.

Desde un principio, Los indestructibles fue un film pensado como un estreno que homenajeara a todo ese cine de acción de los ‘80 que hoy se esconde en estanterías de VHS o en los clásicos reeditados de los videoclubes.

Y por eso, en algún sentido, este film logra con creces su cometido. Nadie puede negar que los amantes del género no sean seducidos con la posibilidad de ver en una misma pantalla no sólo a Stallone, sino a Jason Sthatam, Jet Li, Dolph Lundgren (el mítico Iván Drago de Rocky IV), Mickey Rourke, Randy Couture, Steve Austin y hasta apariciones como las de Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger (sin dudas las grandes faltantes son Jean Claude Van Damme y Chuck Norris).

Pero entre tanto nombre conocido ¿Qué ofrece Los indestructibles? Pues básicamente la historia de un grupo de para-policías que trabajan para el mejor postor y que deberán enfrentar al dictador de un pequeño país de América del Sur que domina el lugar en sociedad con un empresario norteamericano (el siempre eficaz Eric Roberts).

En ese contexto, por supuesto, aparecerán todos los clichés habidos y por haber: antihéroes dispuestos a todo por una mujer, países de tercer mundo transformados en pequeñas aldeas, habitantes de un país que ni siquiera hablan bien su lengua natal y varios etc.

Pero Stallone es bien consciente del tipo de film que quiere hacer. Y por eso se encarga de ofrecer grandes escenas de acción que evitan el abuso del CGI (bastante tosco por cierto) y que privilegia los músculos y la fuerza bruta de todo su elenco.

Porque en el marco de un film que rememora y homenajea al cine de los ‘80, el disfrute de la violencia no pasa por el mayor desmembramiento de los cuerpos (como sí hizo en Rambo IV); sino por la destreza y la capacidad física de los “artistas” (muchos de ellos provenientes de la lucha libre) que vemos en pantalla.

Entonces, si pensáramos en Los indestructibles como un film de músculos, motos, balas, mujeres y tatuajes, pues bien, seguramente el espectador saldrá satisfecho de la sala. Por otro lado, para quienes busquen una profundidad temática (ideologías colonialistas incluidas) ésta definitivamente no es una opción para tener en cuenta.

La película entretiene dentro de un género que ha sido desprestigiado por cinéfilos y especialistas, tal vez hasta de manera injusta. En ese regodeo de la fuerza física, donde Stallone logró los puntos más altos de su carrera, el título en cuestión representa quizás el cierre de una etapa que no sólo incluye al grupo de hacedores, sino también a los que supieron seguir entusiasmados todas sus aventuras.


Calificación: 6
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TITULO ORIGINAL: The expendables

ACTORES: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li. Mickey Rourke, Bruce Willis, Eric Roberts, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren.

GENERO: Acción.

DIRECCION: Sylvester Stallone.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 103 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años

La profesional

No hace mucho, se estrenó en el país la película “Un loco viaje al pasado” una cinta de mediano calibre que invitaba a los mayores de 30 a disfrutar-recordar-divertirse con la melancolía de un grupo de amigos que se trasladaba en el tiempo y volvía a la década del 80.

En inminentes días, llegará a las pantallas locales Los indestructibles, el nuevo proyecto de Sylvester Stallone que reúne a los mayores héroes de acción que supieron llenar la pantalla de balas, sangre y cadáveres años atrás con un estilo muy particular (queda a gusto del lector la simpatía o no por el género).

Pues bien, no sería equívoco pensar en Agente Salt como un título ubicado precisamente en medio de las dos películas mencionadas.

Para entender el concepto. Angelina Jolie es una agente del FBI acusada de ser una espía rusa por un inmigrante que acaba de entregarse. Ahora, se verá obligada a descubrir/demostrar la verdad detrás de tal aseveración.

Y es que en realidad, Agente Salt, es una excusa para volver a contemplar a Jolie en papeles más físicos (como sucedió con las dos Tomb Raider, Se Busca y Sr. y Sra. Smith) de los cuales se había alejado. Así, veremos a la actriz saltar, correr, disparar, cambiar de identidad y un largo etcétera que hará las delicias de los amantes de este tipo de propuestas.

Pero también es una reivindicación al cine de acción de otros años; aquel que exponía constantemente a dobles de riesgo a cambio de una mayor verosimilitud hoy olvidada gracias a los trucos de cámara y al CGI (o efectos especiales).

Para reforzar la idea, léase la manera en que el título de Philip Noyce (realizador de exponentes del género como Juegos de patriota y Peligro inminente; y quien ya trabajó con Jolie en El coleccionista de huesos) vuelve a poner a los rusos del lado oscuro del tablero. Con ello, también regresan los agentes infiltrados, el inglés trabado propio de inmigrantes europeos y otros recursos que terminan emparentando al film con cualquiera de la saga James Bond.

Cabe mencionar que el proyecto modificó su rumbo de manera brusca por el sorpresivo cambio de protagonista. Originalmente, el guión había sido escrito para Tom Cruise, quien finalmente decidió dar un paso al costado para realizar la poco atractiva Encuentro Explosivo. En este sentido, la elección de Jolie no parece desacertada.

Por el resto, Agente Salt no deja de ser un film exagerado, un tanto obvio y de rápida digestión. Pasan desapercibidos las increíbles -desde el peor sentido de la palabra- hazañas de la protagonista, a quien veremos matar a diestra y siniestra, escabullirse insólitamente e incluso fabricar armas con un matafuegos; y por supuesto la bajada de línea política, (el asesinato de Kennedy es atribuido a una organización rusa).

El film busca entretener de la manera más efectiva, recurriendo a trucos, persecuciones y situaciones que habían sido relegados del último Hollywood. Esto no es necesariamente malo, pero entre tanta corrida y escape, la película cae en la monotonía de un trabajo frío, distante, incapaz de congeniar con el espectador.

Seguramente, algunos disfrutarán la propuesta más que otros. Para este segundo grupo, el título en cuestión no será más que una exhibición demasiado calculada de un cine post Jason Bourne. Para los primeros, pues bien, que conviden los pochochos.

CALIFICACION: 5
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TITULO ORIGINAL: Salt

ACTORES: Angelina Jolie. Liev Schreiber, Chiwetel Ejiofor, Daniel Olbrychski.

GENERO: Suspenso, Acción.

DIRECCION: Phillip Noyce.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 99 Minutos

CLASIFICACION: Apta todo público

Heridas compartidas

Luego de su traspié en Hollywood con la olvidable Apariciones (2007) el director de La caída (2004), Oliver Hirschbiegel vuelve a la trama política con un film de gran interés, estrenado aquí bajo el título Cinco minutos de gloria (equívoca decisión/traducción de Five minutes of heaven).

La trama encuentra a Alistair Little (Liam Neeson) como un joven que en 1975 está por realizar su primer asesinato político para la IRA, en medio de la revuelta civil provocada en Irlanda del Norte. Pasados 25 años de aquel ataque, el criminal es invitado por una cadena de televisión para encontrarse cara a cara con el hermano de su víctima.

El trasfondo de venganza que se avizoraba previo al film podía prever un destino moralista y vacuo en su cometido, pero lo cierto es que el director de El experimento (2001) logra una cinta completa, con grandes actuaciones y un excelente trabajo en el montaje.

Cinco minutos de gloria tiene tres etapas bien definidas. La primera nos introduce en la historia que acontece durante los duros años del conflicto irlandés, donde más de 3.700 personas perdieron la vida, y que están representados de manera impactante a través de imágenes reales del enfrentamiento.

La segunda es donde entran en acción el ya mencionado Neeson y un impecable James Nesbitt, como el hermano menor de la víctima, ahora devenido en adulto. A partir de la invitación de la productora televisiva (que se autorreferencia como una reconciliadora de las partes involucradas en el estallido social) el duelo entre los actores empezará a ganar espacio gracias al ajustado guión de Guy Hibbert.

Si bien la película logra pasajes previos de buen calibre, es aquí donde Hirschbiegel muestra su costado más osado. Porque el título acierta en mostrar la peor cara del show business que representa la pantalla chica, en tiempos donde los reality show son la nueva cara de los contenidos mediáticos. Si el dúo protagonista toma la decisión más importante al acceder a un encuentro, la superficialidad improductiva del medio, que estará allí con la excusa de ser testigo directo del momento en cuestión, sólo servirá como un quiebre en la hasta aquí implícita relación.

En este sentido, el film logra un eficaz resultado ideológico donde otros títulos con similar objetivo (como La muerte en vivo, con Eva Mendes) fallaron.

La tercera parte pondrá importancia en esa falaz necesidad de los personajes (uno de perdonar, el otro de ser perdonado) que decidirá el destino de ese inevitable sentimiento que une a los protagonistas.

Acostumbrados a recibir un tipo de cine que justifica la venganza por mano propia y la filosofía del ojo por ojo (sin entrar en ejemplos, gran cantidad de títulos consagrados así lo demuestran) la incorrección política del director alemán pasa por su manera de contar la historia. Una historia que por otro lado, bien puede ser pensada y adaptada a la falta de justicia, las cicatrices sociales y el pedido de respuestas de generaciones enteras que en toda Latinoamérica se promueve después de un largo período de impunidad. Porque, de alguna manera, Cinco minutos de gloria también nos toca, al menos, de costado.

A pesar de las reflexiones que puedan aparecer, este film -que ganó el premio a mejor dirección en Sundance- es una opción más que recomendable dentro de una cartelera que por momentos parece predigerida. Entre tanto tanque innecesario, la película de Hirschbiegel logra con sus valores técnicos y apoyado en grandísimas actuaciones un thriller de fundamentado interés que bien podría resultar imperdible.


CALIFICACION: 8
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TITULO ORIGINAL: Five minutes of heaven

ACTORES: Liam Neeson, James Nesbitt.

GENERO: Suspenso, Drama.

DIRECCION: Oliver Hirschbiegel.

ORIGEN: Irlanda, Reino Unido.

DURACION: 89 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Parado en el medio de la vida

Si utilizáramos el siempre útil recurso de pensar un film como el resultado de varios preceptos ideológicos y culturales del tiempo en que se genera, bien podríamos decir que el nuevo film de la productora Patagonik tiene más de un acierto.

Vale la pena destacar que Igualita a mí, el título que devuelve a la pantalla grande a Adrián Suar luego del éxito que resultó Un novio para mi mujer, es el fiel reflejo de una sociedad que se auto perpetua a permanecer joven.

No sólo por los avances tecnológicos que consiguieron prolongar la edad “joven” respecto a la edad “vieja”; sino porque el propio sistema obliga a emparentar las costumbres, herramientas, vocablos y hasta estilos de vida, corrompiendo entre ese cada vez más indefinible concepto de adultez.

Freddy (Suar) es un hombre que con 41 años, vive con plenitud su soltería, trabajando la menor cantidad de horas posibles en la empresa de su hermano mayor y disfrutando de los placeres de la soltería: departamento libre, vida nocturna, relaciones sin compromisos, etc. Sin embargo la llegada de Aylin, (Florencia Bertotti) una presunta hija oriunda del sur, puede llegar a cambiar sus planes.

Durante la primera parte del film los planteos son, de alguna manera, ambiguos. Porque si bien el soltero empedernido que parece llevar como bandera el ritual del “pendeviejo” (sepa entender el concepto aplicado) muestra a un Suar machista, egoísta y hasta irresponsable, pero a su vez, incapaz de comprometerse o de aceptar e incluso equiparar su maduración física con su crecimiento psicológico, las mujeres que se representan en el film no dejan de ser un mero objeto sexual; hasta que, por supuesto, las cosas empiezan a cambiar para el incorrectamente político protagonista.

Pensar en los hallazgos que Igualita a mí tiene como comedia es, sorprendentemente placentero. El buen timing que el director Diego Kaplan (¿Sabés nadar?, 2002) logra con la construcción del relato, más la buena química que presenta no sólo la pareja principal sino todo un reparto mixturado por simpáticos personajes secundarios, hacen del film una obra mucho más interesante de lo que a priori uno juzgara.

Kaplan logra armar una película precisa, con rubros técnicos impecables y una sencillez para el divertimento a veces procaz, otras tantas arriesgado (principalmente los de índole sexual) que se disfrutan desde este lado de la pantalla.

A pesar de ello, el principal problema del film aparece con la segunda parte de su desarrollo, cuando es obligatorio dar lugar al conflicto. Sin abundar en detalles, la innecesaria resolución de algunos pasajes es por un lado entendible pero por otro una enorme cantidad de señas al lugar común y a la sensibleria más directa que tal vez buena parte del público a la que apunte el film agradezca; pero que invita a imaginar qué otros caminos se podrían haber tomado.

De alguna manera, es aliviador pensar que un género tan desprestigiado en el país como la comedia empiece a encontrar un mejor rumbo, aún incluso cuando ni siquiera el propio Hollywood pueda ofrecer un título verdaderamente destacable .

Ya sea desde el aporte de los Taratuto (No sos vos, soy yo; ¿Quién dijo que es fácil?), los Goldfrid (Música en espera) y hasta la ya mencionada Un novio para mi mujer, se está logrando contar buenas historias, divertir y reflexionar -no importa cuán superfluamente- sobre temas de interés.

Hay un cine industrial argentino que crece, Igualita a mí no deja de ser el resultado del buen tino de los productores y la posibilidad de ofrecer un título que respete a los espectadores.

A pesar de los pormenores que se puedan encontrar en el film, sin duda alguna es una buena oportunidad para encontrase con el humor de personajes que televisivamente están condenados al prime time, pero que aquí logran ofrecer un producto digno, de una notable calidad estética y un cuidado artístico que debería resultar correspondido en las salas. No sólo porque lo merezca, sino también para demostrar que la comedia nacional empieza a ofrecer (con opciones como Pájaros volando y Lucho & Ramos actualmente en cartel) propuestas atractivas para distintos tipos de espectadores.

 

CALIFICACION: 7

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TITULO ORIGINAL: Igualita a mi

ACTORES: Adrián Suar, Florencia Bertotti. Gabriel Chame Buendía, Ana María Castel, Claudia Fontán.

GENERO: Comedia.

DIRECCION: Diego Kaplan.

ORIGEN: Argentina.

DURACION: 108 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Hippies, rockeros y volados

 

Si pensáramos en un término para definir este nuevo experimento nacional llamado “Pájaros volando” el primero en aparecer sería frescura. Porque si bien la utilización de los recursos expuestos en el film son descendiente directo de los productos under de sus responsables, las virtudes de éste lo convierten en, por lo menos, un título destacable.

 

Para entrar en detalles. Néstor Montalbano ya había trabajado con la dupla Luque-Capusotto en la más que interesante “Soy tu aventura” (¿Se acuerdan del secuestro al recordado Luis Aguilé?) y aquí vuelve a mostrar esa eficiente receta que utilizó en programas como De la cabeza, Todo x $2 y Cha Cha Cha durante su paso por la pantalla chica.

 

Otra vez el director se mete en un pequeño pueblo para relatar la historia de Juan (Capusotto) quien llega desde la ciudad como un frustrado cantante de rock que logró un irrelevante hit en los años 80 junto a su primo baterista (Luque) quien lo convence de trasladarse a las sierras para establecer contacto con seres de otro planeta que estudian a los humanos.

 

Por curioso que parezca, la trama (por momentos difícil de sostener) va perdiendo terreno en pos de los constantes gags que encabezan los actores protagónicos junto a un irreverente elenco de invitados/secundarios.

 

Así, desde un promisorio inicio a puro CGI con el gran Víctor Hugo Morales parafraseando a Fabio Zerpa (“no estamos solos en el universo”) veremos un festival de caras conocidas entre las que se incluyen algunas sorpresas muy divertidas que no vale la pena arruinar aquí.

 

De esta manera, la apuesta de Montalbano es ambiciosa y simple a la vez. El hecho de intentar mantener una comedia durante 110 minutos es una apuesta excesiva y por momentos el relato cae en un abismo del cual reflota gracias al grotesco e inteligente guión de Damián Dreizik (quien también aparece como uno de los personajes del film).

 

Por supuesto que la diferencia -la atención, el interés, la curiosidad- está dada por el protagonismo de Diego Capusotto, hoy devenido en la cara más reconocible del ejemplo a seguir en televisión. Sin embargo la versatilidad del actor permite escapar de su enorme abanico de personajes, ultra popularizados desde internet hasta convertir al humorista en todo un fenómeno, para dar rienda libre a la propia química que genera con el siempre carismático Luque y, especialmente con Verónica Llinás, con quien comparte alguno de los pasajes más graciosos del film.

 

Debido a la mezcla del desquicio, la estética, el culto rockero, el absurdo y la ciencia ficción, por momentos “Pájaros volando” sigue la línea de títulos como los de Farsa producciones (Filmatrón y Todoterreno: la película de Kapanga, a la cabeza) pero también logra mantener el humor que hizo a estos actores, escritores y guionistas crecer hasta alcanzar la inminente categoría “de culto”.

 

La presencia de los músicos Rodolfo García, Willie Quiroga, Ciro Fogliatta y Héctor Starc terminan por darle forma a ese hit de los ‘80 que da nombre a la película y con el cual finaliza la historia, acompañado en las voces por los dos protagonistas durante los créditos.

 

“Pájaros volando” se convierte gradualmente en una comedia irreverente, políticamente absurda y hasta -por qué no- bizarra. Con grandes invitados, muchas sorpresas y momentos más precisos que otros, no es la gran cinta que prometía, pero sí tiene destino seguro en el corazón de todos aquellos que aman esta siempre recomendable otra cara del cine nacional.

　

CALIFICACION: 6

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TITULO ORIGINAL: Pájaros volando

 

ACTORES: Luis Luque, Diego Capusotto. Alejandra Flechner, Vanesa Weinberg, Osky Guzmán, Damián Dreizik.

GENERO: Comedia.

 

DIRECCION: Néstor Montalbano.

 

ORIGEN: Argentina.

 

DURACION: 110 Minutos

 

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

El sueño del pibe

En el inicio de esta temporada 2010, mucho se habló respecto a la revolución que plantearía la última cinta de James Cameron, Avatar. A casi 8 meses de su estreno y con opiniones bastante encontradas, algunos se sintieron defraudados por la simplicidad en la historia que ofreció el director de Titanic, a cambio del regodeo visual.

Sin embargo, nadie suponía que en este mismo año sería otro el título que iba a sacudir de manera tan notoria las formas de contar una historia dentro del mainstream hollywoodense. Y El origen, de Cristopher Nolan, lo hace.

Si David Lynch es el artista rebelde que siempre se sale con la suya desde lo narrativo, este Nolan es el alumno destacado de la clase, que lleva los convencionalismos hacia un nuevo lugar y termina realizando su obra más personal.

El director de Memento, Noches blancas, El gran truco y la saga de Batman (Inicia y El caballero de la noche) ofrece con El origen un título complejo, de difícil seguimiento y que exige la mayor atención del espectador; pero a su vez conforma un thriller psicológico atrapante, con un desarrollo visual inquietante y una historia que, seguramente, generará más de un debate.

En la pantalla, vemos cómo el agente Cobb (Leonardo Di Caprio) es capaz de invadir los sueños de las personas para extraer información. Ante el pedido de un magnate (Ken Watanabe), deberá realizar una última misión junto a su equipo (Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy y Dileep Rao) no esta vez para sacar datos, sino para introducirlos.

Con este título, pareciera que Nolan intenta demostrar su (cada vez más extenuante) capacidad narrativa y que, a pesar de haber dado forma a esa excelente segunda parte de Batman, no ha perdido el toque en otros géneros. No importan los lugares comunes de Hollywood, él es definitivamente un artista distinto.

A pesar de lo que se diga, el mundo que conforma el director con sus 200 millones de dólares de presupuesto, lleva la marca Nolan. La inconfundible música de Hans Zimmer y los climas que componen este título, mezcla de teorías psicológicas, apabullantes escenas de acción, drama romántico y ciencia ficción, forman un combo que, ahora, se convierten en un desafío para el espectador.

Es muy probable que el film dé que hablar por mucho tiempo. No por su esperable éxito en taquilla; sino porque, al igual que sus personajes, la película logra meterse en nuestras mentes y deambular para que (tal vez agobiante, tal vez inútilmente) intentemos descifrarla.

Como público, desde la butaca se tendrá el desafío de seguir las múltiples capas de esta –por qué no- historia coral, que a su vez se transforma en casi tres horas de cine en su estado más puro. No importa ya las referencias, ni los homenajes. Nolan demuestra que, actualmente, es uno de los directores contemporáneos más importantes que tiene la industria norteamericana. Y El origen está a la altura de su autor.

CALIFICACION: 8
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TITULO ORIGINAL: Inception

ACTORES: Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Marion Cotillard, Cilian Murphy, Ken Watanabe, Michael Caine, Joseph Gordon-Levitt, Tom Berenger.

GENERO: Ciencia Ficción.

DIRECCION: Christopher Nolan.

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DURACION: 142 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 13 años

Compendio audiovisual de autoayuda

A veces los soportes con los que se hace una obra artística alcanzan éxito precisamente por su organización estructural para destacar la belleza y la hermosura que se puede desprender del imaginario humano. Otras tantas, el intento se reduce a un par de pasajes sombríos y disfrazados.

Verónica decide morir no es una mala película, pero sufre en demasía la adaptación a la pantalla grande de la obra escrita por Paulo Coelho. El éxito y fenómenos alcanzados por el autor brasilero podían presagiar un traspaso cinematográfico, pero parece ser que el formato audiovisual puede quedar chico sin el debido pulido.

Incluyendo también los casos de Guillermo Martínez (Los crímenes de Oxford, 2008) y García Márquez (El amor en los tiempos del cólera, 2007) por citar autores latinos adaptados en los últimos años, podríamos coincidir en el mal tino que está teniendo el cine americano para llevar a la gran pantalla libros consagrados de este lado del planeta.

Y es que Verónica decide morir no es una mala película, pero en su intento por ser aleccionadora e invitar al espectador a pensar con reflexiones moralistas y mensajes éticos sobre el valor de la vida, recae en la redundancia y la previsibilidad.

Verónica (Sarah Michelle Gellar) es una mujer de 28 años que tras augurar un destino ordinario y sin sobresaltos –“casarse, criar hijos, descubrir los engaños de mi marido, ver que mis hijos cometen mis mismos errores” dirá al respecto- intentará suicidarse con la ingesta de pastillas y alcohol. Tras ser rescatada, será internada en un centro psiquiátrico donde sabrá que su vida pende de un hilo. Allí pasará sus días Verónica, entre un piano, el Dr. Blake (David Thewlis) principal director del establecimiento y Edward (Jonathan Tucker), un interno que no habla pero establece un fugaz contacto con la protagonista.

A partir de las situaciones establecidas por un guión que en momentos resulta efectivo y en otros predecible, la directora Emily Young aprovecha cada momento para intentar igualar aquel fenómeno construido por Coelho. Así, los diálogos sobre el comportamiento de la sociedad posmoderna y las relaciones generadas en un mundo prefabricado son puestos en duda precisamente allí, en el hospital psiquiátrico, donde pierden sentido términos como lo “normal”, lo “lógico” y lo “razonable”.

Pensado de esta manera, los poco más de 100 minutos que dura la película no alcanzan ni para el desarrollo de los personajes, ni para una completa articulación de la trama principal. Sin embargo, el sentido del film y la capacidad de transmitir la idea original están presentes y se subyacen con un metraje que logra su cometido a medias.

Muy a pesar de ello, Verónica decide morir cuenta con ciertos hallazgos que vale la pena descubrir por sí mismo. Ya sea desde el correcto trabajo actoral, hasta un denotado cuidado estético, el film se hace con respeto y busca traducir aquello que intenta contar su obra original. El no lograrlo completamente tampoco impide que, a pesar de sendos lugares comunes, no se trate de un film atendible.


CALIFICACION: 6
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TITULO ORIGINAL: Veronika decides to die

ACTORES: Sarah Michelle Gellar. David Thewlis, Erika Christensen, Melissa Leo, Jonathan Tucker.

GENERO: Romance, Drama.

DIRECCION: Emily Young.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 102 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

 Manual del film taquillero

 

¿Qué hace a una película diferente a la otra? Pues a Jerry Bruckheimer parece no importarle demasiado. Porque si a la historia del elegido que debe aprender las técnicas necesarias para derrotar al mal (Mark Hamill como Luke Skywalker se defendía de pelotitas voladoras mientras era supervisado por Alec Guiness en plan Obi Wan Kenobi) sumamos la magia como elemento rutilante (¿recuerdan al ratón Mickey vestido de mago en Fantasía?) reservado sólo para seres especiales, agregamos unos cuantos elementos, un holgado presupuesto en efectos digitales y habemus película.

Pero si una cinta como “El aprendiz de brujo” ni siquiera se toma en serio a sí misma y se ríe desde los homenajes que realiza, pues, alguien más que el personaje principal aprendió la lección.

La historia cuenta la leyenda de Balthazar (Nicholas Cage) un alumno de Merlín que tras una traición de Maxim Horvath (Alfred Molina, siempre convincente) deberá buscar al Supremo Merliniano, un hechicero capaz de vencer las fuerzas malignas. Sin embargo, el destino quiso que el supuesto heredero de tal poder sea un joven estudiante de física nuclear que reside en Manhattan. Ahora Balthazar deberá enseñarle todos los trucos que conoce a su aprendiz, para poder derrotar la amenaza juntos.

Si bien la preedulcorada y utilizada-hasta-el-hartazgo historia del chico común que se encuentra en medio de una guerra fantástica no suena para nada original, sí hay algunos méritos que pueden rescatarse en este título. En primer parte, la participación de Jay Baruchel, el joven actor que –luego del fracaso que resultó esa joyita en televisión llamada Primer año y que emitió la Fox en 2001- se anima a protagonizar una cinta después de su buen paso por Una Guerra de película junto a Ben Stiller. Baruchel se lleva aquí los momentos cómicos con total naturalidad, todo un acierto en el casting.

Por otro lado, el buen tino del director Jon Turteltaub para mezclar la multiplicidad de géneros que la cinta ofrece, a diferencia de lo que había sucedido con su fallido trabajo anterior (la saga La leyenda del tesoro perdido, también con Nicholas Cage como actor y Jerry Bruckheimer como productor). En este título la acción, la comedia, la aventura, la fantasía y los efectos especiales hacen un combo predigerido, sí, pero con la simpatía suficiente para entretener a la platea más joven que bien sabe disfrutar de la estética videoclipera y las secuencias exageradamente frenéticas que ofrece “El aprendiz de brujo”.

Y puede que el film peque de ingenuo al mostrar pasajes/secuencias ya vistas en varios de estos productos hechos con manual de taquilla: a los ya mencionados, sumamos el nerd con poderes especiales, el eterno sabio corrompido por un suceso del pasado, los amigos enemistados, la famosa decisión que no permitirá volver atrás (parafraseando a Matrix, a Cage sólo le faltan las correspondientes pastillas azul y roja) y un largo etcétera.

Para dejarlo claro. La película es una sucesión de batallas espectacularmente planificadas y una música que por momentos resulta invasiva; es una fórmula siempre reciclada en Hollywood pero que una vez más, parece funcionar. La pirotecnia exacerbada le gana a la historia y el interés se radica plenamente en el marco visual. ¿Entretenimiento banal? Seguramente, pero si uno se entrega al juego, tal vez pueda llegar a pasarla bien.

CALIFICACION: 6

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TITULO ORIGINAL: The sorcerer\'s apprentice

 

ACTORES: Nicolas Cage, Jay Baruchel. Teresa Palmer, Monica Bellucci, Alfred Molina.

 

GENERO: Aventuras.

 

DIRECCION: Jon Turteltaub.

 

ORIGEN: Estados Unidos.

 

DURACION: 108 Minutos.

 

CLASIFICACION: Apta para todo público.

Contá mil cuentos

 

Y llegó a los cines. La esperada cuarta parte del ogro devenido en príncipe azul y convertido en padre de familia se enfrenta a lo que según anuncian sus propios creadores es el capítulo final. ¿Pero cuáles son las virtudes de esta Shrek, por siempre? Ya de antemano, Dreamworks se enfrentaba a un problema existencial, que en todo caso también debieron superar a partir de su segunda parte: el factor sorpresa. Debido al conocimiento del espectador sobre qué ofrece el mundo del ogro verde, la calidad empezó a decaer con cada película estrenada.

 

 

Esta cuarta parte, sin embargo, recupera algo de aquella primera película exhibida en los cines en los albores del año 2001. Y para ello tenemos que atender a la historia que se cuenta. Shrek ahora es un responsable padre de familia, un ciudadano ejemplar que vive como una estrella en su pantano y un admirado vecino del reino Muy, muy lejano. Pero las demandas que implica atender a sus hijos, la melancolía por sentirse temeroso otra vez y recuperar aquello que ha perdido (ni más ni menos que su juventud) hacen que el protagonista realice un trato con Rumplestiltskin, un malevo duende que planea quedarse con todo el reino.

 

 

Con el fin de volver a sus días de gloria, Shrek viajará hacia un nuevo mundo donde los ogros son cazados, los aldeanos sometidos y el único centro de poder pasa por el dominio del villano. Para volver todo a la normalidad, deberá convencer a todos de quién es e intentar restablecer la paz en el lugar.

 

 

El hecho de que Shrek deba volver a crear una relación con Burro, Gato con botas, y Fiona trae al espectador una parte, decíamos, de aquello que hizo grande a la primera película. De todas maneras los roles se cumplen a rajatabla y el personaje principal pasa a ser –o sigue siendo- el núcleo a través del cual el resto de sus personajes dan lugar a los momentos más graciosos del film.

 

 

Por otra parte, la sensación de que algo se perdió en el camino resuena en cada minuto que se pasa en la butaca. Tal vez la razón de que el filme, con un humor mucho más físico y gags que apuntan a un público más chico, cambia la ironía cómplice con el adulto, por el entretenimiento directo y la risa más efectiva. No es algo que necesariamente esté mal, pero en este sentido el guiño a los padres presentes en la sala no disfrutarán la historia como alguna vez sucedió.

 

 

Técnicamente, no se puede reprochar nada en este Shrek por siempre. Muchos colores, grandes movimientos de cámara y ampulosos sonidos que engrandecen cada situación vista en la pantalla. Y por supuesto la cantidad de atribuciones a los más famosos cuentos de hadas se harán presente para sí complacer a todo aquel que conozca las historias originales.

 

 

La cuarta parte de Shrek podría ser considerada como una digna despedida del ogro más famoso que el cine haya dado en los últimos años. La cinta no defrauda en ningún momento y eso es cierto, pero también es indiscutible que después del segundo film, la apuesta por el chiste físico y el tratamiento menos inteligente de las historias le juega en contra respecto al público más adulto que tal vez espera otro tipo de relación con la película desde la pantalla. Chistes procaces, diversión efectiva, mensajes aleccionadores (en el buen sentido de la palabra) chicos contentos; todo funciona para ver la película e inmediatamente cruzar la calle y comprar la comida con el juguete.

 

 

CALIFICACION: 6

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TITULO ORIGINAL: Shrek goes fourth - Shrek 4

 

GENERO: Familiar, Animación.

 

DIRECCION: Mike Mitchell.

 

ORIGEN: Estados Unidos.

 

DURACION: 92 Minutos

 

CLASIFICACION: Apta todo público  

Como la novela de la tarde

No es que uno tenga demasiada experiencia en este tipo de ficciones, pero es imposible no reconocer cierto aire de show televisivo en la tercera parte de la saga Crepúsculo. Todavía cuesta creer los increíbles beneficios económicos de esta inefable saga que por momentos evoca al cine más efectista y moralista.

En Eclipse (nombre homónimo al tercer libro de Stephanie Meyer) Bella debe decidir si acepta la propuesta de matrimonio de Edward, mientras intenta negar al hombre lobo Jacob, confeso enamorado de la protagonista.

Sin demasiadas diferencias en la historia con respecto a sus antecesoras, sí hay que admitir que el cambio de director (David Slade, responsable de títulos como Hard Candy, en reemplazo de Chris Weitz, realizador de la segunda parte) resulta al menos, favorable. El desarrollo estético y visual muestra un notable crecimiento, aunque la mano de los productores se percibe demasiado e invita a imaginar una versión mucho más edulcorada de lo pensado teniendo en cuenta el prestigio de Slade.

Pero también es necesario comprender otra cuestión: Eclipse es sólo la punta del iceberg, un complemento más del engranaje. Promociones, merchandising y comida chatarra, todo forma parte de la peor cara que tiene el cine. No se trata de una postura conservadora, pero la sola idea de vampiros que brillan a la luz del día y hombres lobo con sonrisa made in publicidad de pasta dental, generan por lo menos, distancia.

No sería difícil definir a Eclipse como la mejor película de la saga –tampoco es que tenga demasiada competencia- pero ni siquiera con eso alcanza. El trío protagonista sigue sin convencer. Por suerte todavía podemos rescatar la labor de Kirsten Stewart, hoy día perfilada como una de las grandes actrices de su generación (ante cualquier duda consultar Adventureland).

Está claro que la intención de este film no es demasiado ambiciosa: generar algunas livianas sensaciones, mostrar chicos carilindos para el suspiro de las jóvenes y que al salir de la sala puedan seguir pendientes de aquello que se genere con el nombre Crepúsculo, y contar una historia que si no se puede acusar de previsible, es por lo menos obvia.

Pensando en dos futuras partes ya confirmadas, la película es un éxito de taquilla aún en su día de estreno: con adolescentes acampando en los alrededores de los cines mediante, la cinta ya recaudó 30 millones de dólares tan sólo con las funciones de pre-estreno.

Quizás aquí se presente la mayor diferencia entre lo que se denomina el gusto del crítico y lo que el público permite (discusión, por otro lado, altamente retomada) pero cuando no sólo un título, sino una saga completa –como es este caso- ofrece tan poco es necesario preguntar hacia dónde debe deslindarse la culpa.

Aún sabiendo que sus detractores seguirán atacándola y los fanáticos se mofarán sobre la cantidad de veces que puedan verla en la pantalla grande, hay algo que es cierto; a falta de fenómenos mediáticos/cinéfilos de mayor envergadura, Eclipse logra hacerse un atendible lugar entre los títulos más rentables de la temporada. Así está el cine.

 

CALIFICACION: 4

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TITULO ORIGINAL: The Twilight Saga: Eclipse

ACTORES: Robert Pattinson, Kristen Stewart, Taylor Lautner.

GENERO: Romance, Fantasía.

DIRECCION: David Slade.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 124 Minutos

Con la muerte en los talones

 

Desoladora. Esa es la primera impresión que genera La carretera, la nueva película de John Hillcoat (responsable también del western Propuesta de muerte) un film que genera incertidumbre desde sus primeros minutos.

Enmarcada dentro del género post-apocalíptico, la cinta narra la historia de un padre y su hijo, quienes intentan llegar a pie y sin demasiados elementos disponibles hacia un destino prefijado. El planeta, azotado por una serie de sucesos no explicados, se haya desierto y ya casi no quedan seres vivos. En este marco los personajes principales –al igual que el resto de los que eventualmente puedan aparecer- tendrán un solo objetivo: sobrevivir.

Es en este punto donde el director hace uso de los elementos dramáticos para enmarcar la historia. Porque si bien es cierto que las películas sobre seres humanos que intentan subsistir en un mundo desolado sobran –desde El hombre omega, hasta Niños del hombre; el cine de John Carpenter, hasta George Romero- La carretera tiene ciertos aspectos que se explotan de manera  favorable para la narración de la historia.

Si la sola idea del padre que intenta mantenerse con vida junto a su hijo también remite a otro tipo de cine, el desarrollo psicológico de los personajes es también otro punto fuerte del film. No sólo porque la muerte siempre estará ahí, acechando y amenazando con ser la única salida lógica en un mundo que ya no la tiene (“Si existe un Dios, ya nos ha dado la espalda” se dirá), sino también porque la frágil línea que separa la locura de la razón es cada vez más difusa.

Se podría pensar que todo en este mundo apocalíptico puede causar temor, sin embargo la película de Hillcoat no deja de tener cierto halo de esperanza. Principalmente a través de los personajes protagónicos.

Basado en el prestigioso libro de Cormac McCarthy (autor de No country for old men, título que permitió a los hermanos Cohen hacerse con el Oscar a Mejor Película) la cinta también se apoya en las creencias religiosas, morales y éticas del ser humano. ¿Qué distingue lo bueno de lo malo? ¿El fin justifica los medios? ¿Hasta qué límite puede ser llevada la capacidad humana?

Lo cierto es que ante semejante panorama, la credibilidad del film se vería deshecha si el trabajo técnico no estuviera a la altura de lo que la propia historia demanda. Y aquí aparece – por suerte- la talentosa mano del director. Tanto la maravillosa fotografía de Javier Aguirresarobe, como la funcional banda de sonido de Nick Cave y Warren Ellis ayudan a la conformación de la historia.

Párrafo aparte merece el trabajo del elenco. Viggo Mortensen muestra un trabajo tan sólido como el que supo perpetrar junto a David Cronemberg, y el joven Kodi Smith-McPhee se lleva los laureles como la revelación del film, intepretando al hijo sin nombre (dato no menor) que conforma la pareja. Charlize Theron, Guy Pearce y un irreconocible Robert Duvall completan un impecable reparto.

La carretera es un film inquietante, duro en su visión pero directo en su cometido. Más allá de ciertos sesgos ambientalistas y subrayados sentimentales, el film ofrece una experiencia muy particular para la butaca. Sostenido por una tensión que no decae ni por un minuto, este título tiene los elementos suficientes para ser tenido muy en cuenta, eso hoy no es poco.

 

CALIFICACION: 9
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TITULO ORIGINAL: The road

ACTORES: Kodi Smit-McPhee, Viggo Mortensen. Garret Dillahunt, Molly Parker, Guy Pearce, Robert Duvall , Charlize Theron.

GENERO: Ciencia Ficción.

DIRECCION: John Hillcoat.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 111 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 16 años

UNA LECCIÓN DE CINE

Algunas veces esta profesión nos obliga a bancar -literalmente- una y media, dos y hasta tres horas de una película que resulta insoportable, raya la obviedad y remarca tanto lo que intenta mostrar, que la experiencia en la butaca es por momentos, intolerable. Otras veces (al menos una vez al año) la oscura sala, nos regala una película de Pixar. Punto.

Y es que la capacidad imaginativa de estos genios creadores se supera film a film, temporada tras temporada, título tras título. Cuando uno supone que no hay nada nuevo para contar, que una aventura de los gloriosos Woody, Buzz y el resto de juguetes, no ofrecería algo relativamente original, Pixar nos propone Toy Story 3; una verdadera aventura que transpira diversión por todos su poros, pero que vislumbra fotograma a fotograma con la melancolía del crecimiento.

Porque si de algo habla Toy Story 3 es sobre la evolución, el desprenderse de una etapa para comenzar otra –metáfora perfecta del desarrollo técnico y narrativo que vive la empresa desde sus principios- . Así como “Up” ya jugaba con la idea del melodrama para hacernos reir, esta película da un paso más allá y usa directamente géneros que desde la teoría son opuestos para contar una misma historia.

No hay forma de ignorar el mensaje melancólico detrás del cuento original. Y es allí donde la mente creativa de Pixar (esta vez de la mano de Lee Unkrich, director también de “Buscando a Nemo” y ”Monster Inc.”) vuelve a reflexionar sobre el abandono, la venganza y lo irremediablemente inevitable, pero también sobre la amistad, el amor y la familia.

En esta tercera parte, Andy ya ha crecido y partirá hacia la universidad. Ante este nuevo suceso, los juguetes deben enfrentar dos posibilidades: el ático (típico sótano norteamericano conocido como tal por gentileza del  doblaje mexicano) o una donación cuyo destino será finalmente la guardería de la ciudad. Para no adelantar demasiado, sólo mencionar que los personajes se plantarán ante situaciones mucho más grande que las enfrentadas en las dos primeras partes.

Poco más que agregar de esta gema para no quitar las sorpresas que la pantalla depara. Sorpresas que, por otra parte, servirán para cerrar la trilogía de manera casi perfecta (dejemos cierto espacio sólo para especular sobre el próximo paso de Pixar), y abofetear a toda productora que se precie de contar con su propia franquicia, sutil guiño a “Shrek” incluído.

Actualmente, las cosas están claras: Pixar es no sólo el rey de la animación, sino también uno de los más importantes creadores de toda la industria. La eficacia de cada uno de sus 11 títulos lo avala. Esta Toy Story 3 cumple con todo lo que una buena cinta tiene que ofrecer: cuenta una buena historia, conmueve al espectador, y deja ese “no se qué” que permite la diferencia entre las buenas películas y aquellas que tienen destino imperecedero.

Puede que teniendo en cuenta el hecho de que Toy Story es prácticamente un clásico de su propio tiempo, uno ya puede hacerse una idea de cómo va a salir de la sala. Pero una vez más, la sensación es inimaginable. Hay que agradecer que el cine todavía pueda ofrecernos este tipo de historias, hay que agradecer a Pixar y finalmente reconocer que, parafraseando a la canción que inmortalizó la película, esta franquicia es y será para siempre “nuestra amiga fiel”.

 

CALIFICACION: 10
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TITULO ORIGINAL: Toy Story 3

GENERO: Familiar, Animación.

DIRECCION: Lee Unkrich.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 107 Minutos

CLASIFICACION: Apta todo público

CURAR LAS HERIDAS

El modista Tom Ford sorprendió cuando confirmó que realizaría una versión fílmica sobre la exitosa novela “A single man” de Christopher Isherwood, publicada en 1964. Y el asombro es aún mayor cuando la cinta, una vez en pantalla, avanza con el correr de los minutos.

La historia nos muestra a un profesor de Universidad en 1962, año en que la amenaza comunista y el miedo hacían estragos en la sociedad norteamericana. Tras la pérdida de su pareja –un hombre con el cual mantenía una relación hacía 16 años- este maestro debe ahora enfrentar el duelo, “olvidar el dolor”, hacerse de los mecanismos que sean necesarios para enfrentar esa muerte; al punto de coquetear con la suya propia. En ese contexto, su trabajo (ni más ni menos que la formación de la futura sociedad norteamericana) y una amiga alcohólica (impecable Julian Moore) son sus únicos reparos.

El talento innato que muestra Ford para narrar la historia, permiten vislumbrar dos cuestiones de importancia: la primera es la sorprendente maestría con la que el director lleva adelante el film, inmerso en una sensibilidad que asoma en cada plano -tal como el temor del personaje principal- y el reflote constante de aquello que siente pero es imposible que desaparezca.

La segunda, es el enorme trabajo del reparto. Si de raras impresiones hablamos, vale la pena mencionar que gran parte de la película funciona porque Colin Firth (alguna vez etiquetado como el “eterno loser de las comedias románticas”) muestra un costado hasta ahora desconocido. La mirada pérdida, el andar importunado, un cuerpo que carga con el propio sufrimiento físico del duelo. Y la resignación; porque si algo tiene este profesor universitario encarnado por Firth es la pérdida de esperanza ante un mundo que no tiene ya nada para ofrecerle.

“Un hombre solo” es, básicamente, una película sobre el dolor y el miedo. Dolor a enfrentar lo sucedido y miedo al futuro por venir. Si “500 días con ella” reflexionaba sobre el hombre después del amor, este film también habla sobre el corazón roto, pero desde la imposibilidad fáctica de ser recuperado.

En este sentido, la franqueza de Ford por ofrecer un relato simple en su sentido, pero complejo en su entramado interno (el del personaje) termina brindando un drama atrapante con los suficientes méritos para reconocer que la casualidad no hace mella en “Un hombre solo”, sino que es el fruto del buen trabajo que el director realizó en cada una de las partes que forman el todo que se ve desde la butaca.

Con una carga sentimental que invita a la reflexión, pero nunca llega al golpe bajo, el film de Tom Ford es una pequeña pieza artística que irradia melancolía plano a plano. A pesar de ello, cierto mensaje esperanzador respira en su seno: no importa de qué manera, el amor siempre nos lleva hacia el camino indicado.





CALIFICACION: 8

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TITULO ORIGINAL: A single man

ACTORES: Julianne Moore, Colin Firth. Nicholas Hoult, Matthew Goode, Jon Kortajarena, Ryan Simpkins.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Tom Ford.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 101 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años

Guía para destrozar 2.000 años de historia

Meterse con temas religiosos, y el apocalipsis es algo que Hollywood hace cada vez con más costumbres y menos cuidado. Pasó en su momento con la olvidable El Día Final, e incluso con una película de bajo presupuesto llamada Gabriel, que contaba la llegada del arcángel a la tierra.

En “Legión de ángeles” hay una mezcla de géneros (como si uno no bastase) para contar una historia con poca lógica, menos calidad y que podría incluso hasta ofender a cierto público más conservador. En la historia, Dios ha perdido la fe en la humanidad y envía a un ejército para “exterminar” a la raza. Michael es un soldado de ese grupo divino que se rebela y llega a la tierra para intentar salvar a los hombres. Ni más, ni menos.

Desde el punto de vista técnico, el film no convence en ningún sentido. Si bien es cierto que sus intenciones de ofrecer un mundo pre-apocalíptico (por definirlo de alguna manera) no son malas; la poca sintonía que se tiene con la historia y las obviedades del guión hace que el espectador termine desorientado y sin simpatizar con los personajes o los sucesos.

Los saltos entre el día y la noche se dan de manera espontánea, abrupta. Así entre peleas con pseudo-zombies que están “poseídos” vaya uno a saber por qué entidad (¿Dios?) los humanos sobrevivientes se defienden en un bar en pleno desierto. El sol abrazador en ese paisaje desolado se reemplaza a través del cerrar de una puerta por una madrugada fría, y por supuesto, peligrosa.

Y aquí es donde los golpes de efecto aparecen para dominar el metraje. La decisión del director Scott Stewart por usar humanos endemoniados le sirve para trasladar la cinta al terror más directo; ambientación y sonidos incluidos, confundiendo lo esencial en una película: coherencia en la historia.

El reparto, como es de preverse, tampoco alcanza niveles de calidad. Paul Bettany (¿se acuerdan del sacerdote albino en El código Da Vinci?) es el ángel que, tras revelarse presenta una personalidad más cercana a la de Schwarzenegger en Terminator que a la de un guardián del Señor. Dennis Quaid, que todavía no se recupera del fiasco que fue G.I Joe, da lugar a una de sus peores interpretaciones, y eso que conocemos el escazo talento artístico del actor.

Hacer hincapié en el punto de vista ideológico, no es para nada recomendable; pensar en un film que presenta a Dios como el ente que quiere exterminar a los humanos, es por lo menos, irrisorio.

Legión de ángeles podría haber sido un buen film. Algunas ideas y diálogos –muy pocos en realidad- muestran cierto ingenio. Pero la precipitación en convertirse en un título más grande de lo que en realidad es, provoca absolutamente lo contrario. Escenas de acción paupérrimas, incoherencia narrativa e historia poco creíble (aún tratándose de ciencia ficción) hacen que este film se enmarañe con el correr de los minutos y el interés, simplemente, se esfuma. La intención, insistimos, no es mala… pero la película se toma demasiado en serio a sí misma, lo cual la hace muy poco recomendable.



CALIFICACIÓN: 3
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TITULO ORIGINAL: Legion

ACTORES: Paul Bettany. Dennis Quaid, Kate Walsh, Kevin Durand, Tyrese Gibson, Lucas Black.

GENERO: Fantasía, Acción.

DIRECCION: Scott Stewart.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 98 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 16 años

Entre la espada y la pared

“El príncipe de Persia: las arenas del tiempo” marca el nuevo intento de Hollywood por trasladar un videojuego a la pantalla grande. Y aunque detrás de esta superproducción hay nombres de relevancia, el film sólo entretiene a medias.

Es sabido que prácticamente ninguno de los juegos electrónicos que se han adaptado al cine tuvieron exitosos resultados: ni ese engendro llamado “Mario Bros”, ni “Street Fighter”, mucho menos “Doom” e incluso “Tomb Raider” con Angelina Jolie (y la lista sigue); todos fueron productos regulares para abajo.

La apuesta de Disney por transformar al clásico Príncipe de Persia en una nueva franquicia rentable intenta dar un paso más allá. Además de caras fácilmente reconocibles, y un presupuesto que superó los 150 millones de dólares, la empresa llamó a Jerry Bruckheimer, algo así como el hacedor de blockbusters hiper populares, que han tenido diversos resultados (desde “Un detective suelto en Hollywood”, hasta la ultra conocida saga “Piratas del Caribe”) para ver qué se podía hacer con este nuevo tanque.

Y Allí es donde tal vez este Príncipe de Persia cometa su peor pecado: se trata de un film de aventuras cuya influencia del productor se nota aún más que la del propio director, un Mike Newell desdibujado cuyos mayores talentos fueron demostrados en géneros como la comedia romántica (“Cuatro bodas y un funeral”), pero que aquí desentona hasta con el propio timing que la película exige.

La historia nos muestra a Dastan un joven que, tras ser adoptado por el rey, debe encabezar la invasión a una ciudad vecina acusada de vender armas a enemigos (guiño sorprendente teniendo en cuenta el conservadurismo de la empresa que respalda el proyecto). Luego de una serie de sucesos, el protagonista se verá envuelto en una trama de mentiras, fantasía, viajes al pasado y elementos mágicos.

Poco más por contar respecto a su trama. El punto en contra del film radica también en su propia ingenuidad; si bien El Príncipe de Persia logra ser entretenida durante la mayor parte del relato, el respeto por las formas, la ausencia de riesgos por ofrecer algo nuevo y la facilidad con la que cae en el estereotipo le juegan en contra a un potencial público adulto, al cual evidentemente no está dirigida la película.

De esta manera, partiendo de un interesante elenco, los personajes sólo conforman la “norma” que toda cinta debe presentar: Gyllenhaal es el héroe noble, Arterton la belleza con carácter, el gran Ben Kingsley es el hombre de confianza de la familia real y un desperdiciado Alfred Molina se transforma en el còmic relief que intenta aportar gracia a la historia.

El Príncipe de Persia: las arenas del tiempo es eso y no mucho más: aventura, acción, CGI, humor y fantasía; pero en justas medidas, sin mayores hallazgos (ni intenciones, asumámoslo). Cualquier semejanza con “Indiana Jones”, “La Momia”, “Piratas del Caribe” o incuso la antes mencionada “Tomb Raider” no son pura coincidencia. Estamos ante un título que quiere atrapar al público que redescubrió al protagonista de los juegos en la actual generación de consolas (Ps2 y Ps3, Xbox). Como tal, poco queda de aquel héroe pixelado que saltaba pinches para rescatar a la princesa. Esta vez, su destino no está determinado por el jugador; el enemigo a vencer es uno solo: la taquilla.

Calificación: 5
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Ficha Técnica:

TITULO ORIGINAL: Prince of Persia: The Sands of Time

ACTORES: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton Ben Kingsley, Alfred Molina.

GENERO: Fantasía, Aventuras.

DIRECCION: Mike Newel.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 114 Minutos

CLASIFICACION: Apta mayores de 13 años.